Un homme en sursis

Une donnée démographique pour commencer: quelque 6.000 Français occupent aujourd'hui l'archipel de Saint-Pierre-et-Miquelon (242 km²). Ils étaient deux fois et demie moins nombreux vers 1850, à l'époque du film dont j'aimerais parler ce mercredi: La veuve de Saint-Pierre. Avec Juliette Binoche et Daniel Auteuil, il y a de belles choses à faire !

Napoléon III rayera vite d'un trait de plume impérial cette République éphémère, où le capitaine Jean porte la charge de chef de garnison. C'est donc à ce titre qu'il doit prendre en charge un marin-pêcheur soupçonné d'avoir, avec un complice et dans un état d'ivresse prononcé, incité un commerçant à sortir de chez lui pour l'assassiner. Condamné, l'homme échappe alors à l'exécution de la peine capitale parce que la cour n'a pas de guillotine, ni de bourreau, à disposition ! Pendant que les notables s'organisent pour qu'il en soit acheminé une depuis Paris, le meurtrier circule très librement, se plaçant au service de la femme de celui qui était supposé le mettre sous les verrous. Vous l'aurez compris: inspiré de faits réels, La veuve de Saint-Pierre est l'histoire, éminemment romanesque, d'une possible rédemption. Toute la question est dès lors de se savoir si vous y croirez ou non. Une supposition: certains rebondissements sauront vous surprendre...

Une bonne partie du plaisir que j'ai eu à regarder ce film d'époque repose sur la remarquable interprétation d'Emir Kusturica dans le rôle du mauvais sujet repenti - un choix de casting tout à fait judicieux. Même si d'autres comédien(ne)s ont bien leur mot à dire dans ce récit humaniste, c'est surtout un trio qui l'anime de la plus belle des façons. Étrangement, cet opus n'a connu qu'un succès relativement modéré lors de sa présence en salles (un peu moins de 650.000 spectateurs). Personnellement, j'ai également apprécié La veuve de Saint-Pierre pour son cadre: ce n'est pas tous les jours qu'une équipe de cinéma s'installe dans ce "coin de France", au large de l'immense Canada. Apparemment, le fruit de ce travail a beaucoup circulé à l'étranger. C'est en soi une bonne chose et, à mes yeux, c'est tout à fait mérité ! À noter l'existence d'un roman éponyme, signé Marine Saglio-Bramly. Vous pourrez le dénicher aux éditions Pocket - avec un peu de chance.

La veuve de Saint-Pierre
Film français de Patrice Leconte (2000)
De la belle ouvrage. Certes moins appréciée que la saga Les bronzés du même réalisateur, cette production n'a assurément pas à rougir. Je l'ai d'ailleurs préférée à Une promesse, tourné avec des acteurs anglo-saxons et cependant inspiré d'une nouvelle de Stefan Zweig. Porter un costume sans qu'il paraisse trop grand est un art difficile. Bon... Madame Bovary, Une vie et Eugénie Grandet m'ont plutôt plu.

----------
Et par ailleurs, en cas d'hésitation...
Vous pouvez toujours vous en référer aux avis de "L'oeil sur l'écran".

Tout l'amour de Lucia

Milan, 16 décembre 1944. Benito Mussolini s'adresse à une journaliste après un ultime discours: "Je m'affaire en sachant que tout est farce. J'attends la fin de la tragédie, comme étrangement détaché de tout. Je ne me sens plus acteur, mais seulement le dernier spectateur". Dernière consigne du fasciste: ne publier l'article... qu'après sa mort !

Le hasard fait que j'évoque cette anecdote historique 80 ans, jour pour jour, après l'exécution sommaire de l'ancien maître de Rome. Cependant, ce n'est pas lui qui m'intéresse aujourd'hui: mon intention est plutôt de vous parler d'un film qui débute alors que la fin du Duce approche. L'année passée, Vermiglio ou La mariée des montagnes est reparti de la 81ème Mostra de Venise avec le Grand Prix du jury. Nous prenons les chemins à destination d'un petit village du Trentin. Quelques mois seulement avant la fin de la guerre, cette zone montagneuse tout au nord de l'Italie voit revenir un jeune homme blessé au combat. Un autre ex-soldat du même âge l'accompagne. Accueilli en héros, ce Sicilien, Pietro, lui aurait en fait sauvé la vie. Des sentiments réciproques l'uniront vite à la belle Lucia, première des dix enfants de Cesare Graziadei, le très austère instituteur local. Au printemps, le patriarche consentira au mariage, tout en exigeant de son gendre qu'il retourne vers le Sud en aviser ses propres parents. C'est alors que se jouera une tragédie - que je n'avais pas anticipée...

J'espère sincèrement trouver les mots justes pour vous convaincre d'une chose: Vermiglio ou La mariée des montagnes brille d'un éclat qui le place sans difficulté parmi les plus beaux films que j'ai vus depuis le début de l'année. Il peut à ce titre être le porte-étendard d'un cinéma italien capable du meilleur et fier de l'héritage de son âge d'or. C'est d'autant plus notable que la réalisatrice de cette merveille n'a pas encore fêté ses cinquante ans (ce sera le 3 octobre prochain). Sur son CV, il y a aussi plusieurs documentaires: c'est un bel atout. Au-delà de ses cadres, elle a l'intelligence de ne pas trop se focaliser sur le dialogue: en réalité, les images parlent souvent d'elles-mêmes. Le film est tout autant un délice pour les oreilles, parsemé qu'il est par de superbes - et très évocateurs - morceaux de musique classique, oeuvres d'Antonio Vivaldi et Frédéric Chopin, notamment. Et puis, il y a la guerre, bien sûr, une menace lointaine qu'on oublie presque grâce à la contemplation constante d'une petite communauté isolée. Il m'a fallu un peu de temps pour redescendre de la montagne !

Vermiglio ou La mariée des montagnes
Film italien de Maura Delpero (2024)
Le vermillon, ce rouge vif que rappellent le titre et le nom du village que nous visitons, n'est donc pas celui du sang: c'est une chance. Même si l'histoire est différente, le film m'en a rappelé deux autres dans un environnement similaire: Le ruban blanc et Une vie cachée. Pour la guerre hors-champ, j'ai aussi aimé L'odeur de la mandarine. Aïe... je n'ai vu que très peu de longs-métrages autour des sommets !

----------
Pour compenser, je regarde ailleurs...
C'est de fait un rituel: je vous suggère de lire la chronique de Pascale.

Une fille dans la ville

L'anecdote m'amuse: à la toute fin de 1975, quand le gouvernement français crée la classification X, il en profite pour prélever davantage de taxes sur les films visés pour soutenir les oeuvres "de qualité". Rassurez-vous: mon film d'aujourd'hui n'a absolument rien de porno. Son héroïne travaille juste dans un cinéma spécialisé dans ce genre...

Christine n'a en fait rien trouvé d'autre pour gagner un peu d'argent. Derrière son guichet, elle entend tout des dialogues et gémissements qui scandent les séances du Variety - c'est aussi le titre du film. Parfois, entre deux ventes de tickets, elle s'aventure dans la salle. Finalement, quand Louie, un homme plus distingué que les autres, décide de lui offrir un verre de Coca, elle accepte de sortir avec lui. Et, quand il la plante lors d'un rendez-vous, elle le suit discrètement afin d'avoir une vision plus précise de qui il est vraiment. Suspense...

 

Point de galipettes à l'horizon: vous avez ici affaire à un film noir. Dans un style qui m'a rappelé celui des premiers De Palma, cet opus dessine un saisissant portrait du New York nocturne et interlope. J'imagine volontiers qu'à sa sortie dans les années 80, il devait avoir quelque chose d'assez fascinant pour le public avide de sensations nouvelles. Ce n'est pas bien sulfureux, quatre décennies plus tard. J'oserai même classer cet OFNI au rang des films expérimentaux précédemment réalisés par son autrice - que je viens de découvrir. D'après ce que j'ai lu, elle s'inscrit dans la lignée du Jim Jarmusch débutant et s'est dit inspirée par les travaux de Jean-Luc Godard. Autre influence notable selon Wikipédia: celle de John Cassavetes. Personnellement, j'ai surtout apprécié le film pour sa photographie. L'intrigue ne m'a que peu intéressé: elle ne me semble qu'un prétexte pour tourner de (belles) images ! D'où une petite déception à l'arrivée.

Variety
Film américain de Bette Gordon (1983)
Une certitude: je n'ai pas vu beaucoup d'autres films comparables. C'est une qualité, sans doute, à mettre au crédit de ce long-métrage singulier, dont certains disent également qu'il renverse le rapport homme-femme habituel. Et il y a du vrai dans cette affirmation. Mais, allez savoir pourquoi, tout cela m'a fait penser à Blow out. J'aime assez le cinéma parano américain (cf. Conversation secrète) !

----------
Vous préférez avoir un autre avis avant de vous lancer ?
D'accord ! Inédit en France jusqu'en 2022, le film est toutefois le sujet d'une chronique de "L'oeil sur l'écran". Je n'en ai pas trouvé d'autres...

Chrono...logique ?

Michael O'Leary estime que le public perçoit bien que tous les films seront disponibles sur des plateformes en quelques semaines à peine. D'après lui, "cela compromet la durabilité de l'ensemble de l'industrie en ayant un impact négatif sur la fréquence à laquelle les spectateurs se rendent en salles". C'est une inquiétude que je partage largement !

Bon... jusqu'au début du mois, je ne connaissais pas Michael O'Leary. Cet homme est le PDG de Cinema United, la plus grosse organisation de salles aux États-Unis. Il a récemment plaidé pour que les cinémas disposent d'une période d'exclusivité d'au moins un mois et demi. Rappel (et contrexemple): l'échec américain du blockbuster Mickey 17 aura conduit la Warner à le diffuser en streaming après... 18 jours ! C'est un fait: dans le monde, la fameuse "chronologie des médias" n'est pas la même partout. Et elle a également fait débat en France...

Chez nous, si ce que j'ai lu est exact, les télés et les opérateurs Web doivent toujours attendre plusieurs mois - en fait, le nombre précis dépendrait de leurs investissements dans la production française. Canal + doit ainsi patienter un semestre complet, alors que Disney + peut rendre ses propres longs-métrages accessibles après neuf mois. Il semblerait que les réglementations américaines aient été négociées dans un contexte pandémique, alors que les grandes compagnies productrices de cinéma pouvaient douter de leur survie économique...

En substance, Michael O'Leary estime donc qu'aujourd'hui, les choses ont pu évoluer dans un sens positif. Il a quelques autres suggestions pour accompagner les salles obscures dans leur reconquête du public. "Nous devons faire les choses autrement", a-t-il clairement affirmé. L'idée serait de développer un véritable offre premium, au-delà même de tout ce que le septième art propose, avec donc un soin particulier apporté aux espaces communs, notamment. Il conviendrait en outre de faciliter l'accès aux films des salles situées en zones non-urbaines et/ou indépendantes. C'est évident: une partie de l'avenir du cinéma se joue au quotidien. Tâchons donc simplement... de ne pas l'oublier !

----------
Un sujet d'actualité...
Peu après avoir préparé cette chronique, j'ai appris que Netflix attaquait la chronologie des médias devant le Conseil d'État. Précision du Figaro dans son article: la plateforme doit attendre quinze mois avant de diffuser les productions françaises sorties dans les salles. Elle investirait actuellement 50 millions d'euros par an dans le cinéma français, soit 4% de son chiffre d'affaires. La ligne risque de bouger...

Et vous, alors... qu'en pensez-vous ?
Je ne crois pas avoir dit quelque chose de vraiment révolutionnaire. Et j'aimerais beaucoup en rediscuter avec vous. À vos commentaires !

Duo latino

Il a survécu à la crise sanitaire. Sa vocation ? La promotion du cinéma ibérique et latino-américain. J'ai vu il y a peu deux des films récents projetés au 13ème Festival Ojoloco de Grenoble (25 mars - 6 avril). J'ignore s'ils ont trouvé une structure pour une plus large diffusion. Mais je suis sorti ravi de ces "voyages" - en Argentine et en Uruguay !

Los tonos mayores (ou The major tones)
Film argentin d'Ingrid Pokropek (2023)
Après un accident, Ana, 14 ans, doit vivre avec une plaque de métal dans l'avant-bras, ce qui lui permet de ressentir des vibrations ! L'adolescente en parle à sa meilleure copine, qui les transforme illico en notes de musique (et en tire donc de quoi écrire une chanson). Finalement, tout semble remis en question quand, un soir, le hasard place un jeune soldat sur la route d'Ana. Lui interprète les pulsations ressenties par la jeune fille comme des signaux, en langage morse. Bref, vous l'aurez compris: ce - premier - long-métrage d'une cinéaste de Buenos Aires introduit une bonne dose d'imaginaire au quotidien ordinaire d'une gamine rêveuse. Mais le film va un peu plus loin ! C'est aussi le portrait d'un tandem fille-père, sans autre personnage féminin adulte pour prendre la place et le rôle d'une maman. L'aspect fantastique du scénario se combine donc avec une approche subtile d'un sujet somme toute classique, traité avec beaucoup de douceur. Aucune raison de pleurer. Au contraire: l'espoir est de se réconcilier avec la vie. Je suis convaincu que petits et grands en sont capables...

Agarrame fuerte (ou Don't you let me go)
Film uruguayen d'Ana Guevara et Leticia Jorge (2024)
Un film qui commence mal: nous assistons à un grand rassemblement après la disparition prématurée d'Elena, une très jolie jeune femme. Ce deuil affecte naturellement Adela, l'une de ses amies intimes. Quand la cérémonie funéraire s'achève, elle s'effondre en sanglots dans sa voiture, à l'abri du regard des autres proches de la défunte. Puis, une fois qu'elle a repris contenance, elle se remémore un temps fort de leur relation passée... comme si elle la vivait, à nouveau. Nous, spectatrices et spectateurs, découvrons donc cette histoire grâce à un long flashback. Et ce qui pourrait être banal ne l'est pas ! Pourquoi ? Parce que les deux réalisatrices associées ont eu l'idée d'introduire dans cette reproduction du réel une dose de poésie visuelle. Pour peu qu'on y accroche, on s'évade alors vers un rêve. Toute la puissance consolatrice du cinéma est de ce fait mobilisée pour nous aider à sécher nos larmes - ou, mieux, à ne pas les verser. Un bateau pourrait nous emmener pour prolonger cette escapade. C'est bien à nous de décider jusqu'où accompagner les personnages...

----------
Une petite conclusion...
L'Amérique latine est bien loin d'être le continent le plus représenté sur ce blog, mais elle devance tout de même l'Afrique et l'Océanie. Pour l'heure, j'ai vu des films de huit de ses pays, les plus nombreux tournés en Argentine, au Brésil et au Chili. Je compte bien continuer !

Idéal de Provence

Jean Giono a 35 ans en 1930 quand paraît Regain, l'un de ses romans cités parmi les plus réussis. C'est un autre célèbre auteur provençal qui en signe l'adaptation sept ans plus tard: Marcel Pagnol, bien sûr ! Les deux hommes sont nés la même année et ont collaboré à l'écriture du scénario. Je n'ai pas d'informations sur le déroulé des opérations...

Une certitude: le personnage qu'interprète Fernandel tient une place majeure dans le film, tandis qu'il serait vraiment "au second plan" dans le livre, d'après ce que j'ai pu lire ici et là. Gédémus, rémouleur faussement sympathique, trimbale sa carriole de village en village avec d'autant plus de difficultés qu'il a perdu son chien pour la tirer. Chance pour lui: il trouve une femme pour remplacer l'animal ! Ensemble, Arsule et lui parcourent les très escarpées campagnes provençales pour trouver de nouveaux clients. Et, un soir, le duo sauve un drôle d'homme d'une noyade dans une rivière sauvage. Finalement, un nouveau couple pourra se former, a priori plus franc...

Regain est un drôle de film, à la fois réaliste, poétique et onirique. D'après mon ressenti, il est ancré dans son époque, ces années trente encore porteuses d'un espoir républicain fondé à la fois sur le progrès et un essor économique enfin envisageable pour les classes sociales dites populaires. Une part de la belle imagerie autour de ces valeurs sera ensuite récupérée par les régimes autoritaires: triste constat ! Bientôt neuf décennies plus tard, le beau long-métrage que j'évoque aujourd'hui semble d'un autre temps - ce qui est de fait assez logique. Pourtant, avec le regard que la caméra amène sur la Provence d'alors et ses petits hameaux en voie de disparition, il y a dans cette histoire éternelle quelque chose de très touchant. Un humanisme profond qu'incarnent à merveille les deux acteurs de la photo, Orane Demazis dans le rôle d'Arsule (ou Irène, en fait) et Gabriel Gabrio en Panturle. Quelques autres protagonistes complètent le tableau, à voir ou revoir.

Regain
Film français de Marcel Pagnol (1937)
Pour son époque, je trouve finalement cet opus assez moderne. Évidemment, tout dépend aussi de l'oeil avec lequel on le regardera et/ou des attentes que son point de départ pourrait faire naître. Certains aspects peuvent étonnamment rappeler La strada (1954) ! Cela étant dit, liés à Pagnol, je préfère d'autres films: la trilogie marseillaise Marius-Fanny-César ou La fille du puisatier. À suivre...

----------
Et pour aller plus loin...
Je vous conseille de découvrir aussi l'intéressante analyse de Strum.

Un ami atypique

Un film plus léger, aujourd'hui: je termine avec vous cette semaine en évoquant un long-métrage que je n'avais que vaguement vu passer et qui m'avait été recommandé pour le rôle de Benjamin Lavernhe. Dans Le goût des merveilles, l'acteur, alors jeune trentenaire, forme un beau duo avec Virginie Efira. Leur première collaboration, je crois.

Arboricultrice dans la Drôme, Louise vit seule avec ses deux enfants depuis la mort accidentelle de son mari. Avec une pugnacité certaine et beaucoup de courage, elle s'accroche aux rêves du quatuor brisé pour maintenir à flot le verger qui est aussi le cadre de vie familial. Difficile devant de tels paysages ensoleillés de ne pas la comprendre. La vie n'est pas si facile, pourtant, avec maintes factures impayées. Et voilà que Louise renverse Pierre (alias πR), un jeune homme perturbé et solitaire qui est l'ami atypique d'un généreux libraire ! Vous voyez le tableau ? Rien de vraiment très original à attendre. Attention: Le goût des merveilles n'est pas du tout un mauvais film. Il s'avère à la gloire des acteurs-vedettes, mais n'est pas déplaisant. Disons que le récit est largement prévisible dès la première rencontre des protagonistes dans un cadre sublime - et sans grand aléa météo. Virginie Efira et Benjamin Lavernhe sont absolument irréprochables...

Le goût des merveilles
Film français d'Éric Besnard (2015)
Je n'en attendais pas autre chose, mais il peut sembler regrettable qu'un tel film manque ainsi d'aspérités. J'insiste: rien de honteux. C'est un peu mieux ficelé que Les choses simples, du même auteur. Pour l'instant, Éric Besnard m'aura surtout convaincu avec Délicieux. Le feel good movie à la française a encore de l'avenir, je pense. Constat d'évidence: pour ma part, je n'en vois qu'assez peu, en fait...

----------
Et on en dit quoi, ailleurs ?
Le film est (presque) totalement absent de mes blogs de référence. Seul Laurent lui aurait-il "donné sa chance" ? Ça commence à dater...

Combien de vies ?

Il n'est pas interdit de juger obscène le fait de représenter un attentat terroriste réel dans un film de fiction. Évoquer Un an, une nuit, opus inspiré du drame du Bataclan et des souvenirs de rescapés ? J'y tenais parce que je ne compte n'occulter aucun des films que je découvre. Même quand, d’après moi, il faut aborder le sujet... avec précaution.

Céline et Ramón, jeune couple de Parisiens, elle travailleuse sociale, lui analyste financier, errent dans les rues de la ville, silencieux, hagards, une couverture de survie sur le dos. On comprend très vite qu'ils sortent vivants de la tuerie survenue dans la salle de spectacle du 11ème arrondissement (un rappel: c'était le 13 novembre 2015). Le film s'intéressera à comment ils vont "surmonter" (ou pas) ce choc.

Oui, le choix de Un an, une nuit de revenir sur ces terribles faits historiques et la manière dont le film les reconstitue sont discutables. Mon avis ? Je me suis senti très ému par moments, mais pas choqué. C'est en réalité parce que je prête à ce long-métrage deux qualités importantes, si ce n'est essentielles: il s'est souvenu que le Bataclan n'était pas un cas isolé - après la gare d'Atocha sur le territoire espagnol et avant Nice, notamment - et surtout, il illustre l'idée qu'au-delà du drame collectif, chaque victime a sa propre souffrance. Et, sur ce point précis, je l'ai trouvé à la fois pudique et très juste. L'interprétation du duo Noémie Merlant - Nahuel Pérez Biscayart s'inscrit à mon sens dans cette logique, malgré le sentiment de colère qui anime parfois les personnages ou le déchirement qu'ils subissent. Sans en dire plus, je note que le scénario offre également un écart possible avec la réalité et que la fin de ce récit peut être comprise d'au moins deux façons différentes. Une réflexion que je vais écarter pour le moment, faute d'avoir lu Paix, amour et death metal, le livre à la source du film. Bon... ce n'est peut-être bien que partie remise. D'ici là, nous pouvons bien sûr toujours en discuter en commentaires !

Un an, une nuit
Film franco-espagnol d'Isaki Lacuesta (2022)
En écho au beau titre du film, je me suis demandé combien de vies avaient été perdues, changées, raccommodées ou bien renouvelées après ces événements tragiques. Et c'est parce qu'elle laisse le champ des possibles ouvert que j'ai aimé cette fiction... venue d'Espagne ! Cela dit sans nullement renier les qualités de quelques films français sur ce même très douloureux sujet, tels que Amanda ou Revoir Paris.

----------
Un avis plus nuancé ?
Celui de Pascale l'est, me semble-t-il. Arguments à l'appui, bien sûr. Pas d'autre billet en vue chez mes camarades blogueuses et - gueurs. Peu diffusé en France, le film n'a réalisé que 10.340 entrées en salles.

Leurs premières fois

Bon... changement de programme: ce n'est finalement que demain que je mettrai en ligne une nouvelle chronique consacrée à un film. Aujourd'hui, un mot rapide pour vous signaler une petite nouveauté dans l'une des rubriques du blog, "Les réalisateurs et réalisatrices". D'ailleurs, la voyez-vous toujours en page d'accueil, en haut, à droite ?

Si c'est le cas, je tiens donc à vous signaler que j'y ai ajouté une info supplémentaire sur les films référencés. Comme mon titre de ce jour le suggère, un (1) accompagne à présent les premiers longs-métrages de leur autrice ou auteur - s'il a déjà été chroniqué, bien entendu. J'espère que cela apportera un soupçon de visibilité supplémentaire aux artistes qui se lancent, auxquels certains festivals de cinéma s'intéressent spécifiquement (un autre sujet qu'il me faudra aborder). Je me dis par ailleurs que c'est intéressant de revenir aux sources d'une inspiration, quelle qu'elle soit, et vous invite dès lors à le faire avec moi. Ce ne sont assurément pas les occasions qui manqueront. Sur ce, je vous retrouve donc demain avec un autre film: le 2752ème sur Mille et une bobines ! Je ne changerai pas d'intitulé pour autant...

----------
Au fait, chères lectrices et chers lecteurs...
Et vous, alors ? Est-ce que ça vous arrive de prêter une attention rétroactive au tout premier film d'un(e) cinéaste que vous aimez ? Et/ou est-ce que vous êtes intéressés par les artistes qui se lancent dans la carrière ? Oui, je reste assez curieux et motivé pour le débat !

Clones tristes

Irai-je voir le prochain film de Bong Joon-ho ? Rien n'est moins sûr. On dit parfois que ses meilleurs opus sont ceux qu'il tourne en Asie. Après le triomphe XXL de Parasite, le cinéaste sud-coréen a collaboré avec la Warner pour produire Mickey 17. Une adaptation du roman SF de l'Américain Edward Ashton dont j'aurais dû me méfier. Peut-être...

N'exagérons rien: Mickey 17 n'est pas un mauvais film. C'est un film un peu décevant pour qui avait, comme moi, apprécié le précédent. Persuadé par son ami Timo que les macarons attirent une clientèle plus nombreuse que les burgers, Mickey Barnes a de très gros ennuis. Fauché, il doit en effet une grosse somme au type peu fréquentable qui était censé l'aider à investir dans cette activité professionnelle lucrative. Il décide alors de quitter la Terre pour rejoindre la colonie humaine bientôt installée sur Niflheim, une planète peu hospitalière. Il devient un Remplaçable, c'est-à-dire un type qu'on exploite à l'envi pour les jobs les plus dangereux... et que son patron peut réimprimer quand il a - littéralement - le très mauvais goût de se tuer à la tâche. Une vie moins glauque depuis que Mickey a rencontré Nasha, une fille embarquée dans le même vaisseau et qui y occupe des fonctions valorisantes. Tout va plutôt bien pour le couple (discret) jusqu'au jour où deux exemplaires du garçon sont simultanément "en circulation". Cela contrevient aux règles de celui qui domine tout ce petit monde...

Arrivés à destination, puissants ou misérables, les uns et les autres goûteront vite aux joies de la cohabitation avec des blattes géantes. Souvent tout à fait dégueulasse, le film n'est toutefois pas dépourvu d'un certain nombre de qualités esthétiques. Bien que peu nombreux au final, les décors et costumes sont dans l'ensemble assez réussis. Les effets spéciaux le sont parfois moins, à la différence de la bande musicale: signée Jung Jae-il, elle me semble constituer l'un des atouts majeurs du long-métrage. Et les acteurs ? Robert Pattinson se tire avec les honneurs de son double rôle, sans faire d'éclat particulier. Autour de lui, dans une distribution très internationale, j'ai été ravi de revoir Anamaria Vartolomei et de découvrir Naomi Ackie. Au rayon des satisfactions... disons relatives, Toni Collette et Mark Ruffalo semblent s'être amusés sur le tournage, mais en font des caisses. Cela étant, Mickey 17 ne réclamait pas de sobriété, de toute façon. Ma note reste relativement généreuse, comparée au plaisir ressenti. Quant au prochain Bong Joon-ho, je l'attends donc... sans impatience.

Mickey 17
Film américano-coréen de Bong Joon-ho (2025)
Le cinéaste assure qu'il n'a pas voulu moquer l'Amérique actuelle. Toute ressemblance de l'univers de ce Mickey avec celui de Donald T. serait donc purement fortuite ? Je n'y crois guère, pour être honnête. Par ailleurs, j'ai nettement préféré Memories of murder et Parasite. Et même Snowpiercer, dont je vous ai parlé ici le mois dernier. Comparaison n'est pas raison: je vais passer à autre chose mercredi !

----------
Avant cela, vous voudriez lire d'autres avis ?
Cette fois, il me semble que c'est Strum qui a dégainé le premier. Rassurez-vous: Pascale est ensuite arrivée dans sa foulée immédiate. Deux opinions similaires que je peux associer à celle de Princécranoir.

De rudes lendemains

Est-ce la station balnéaire d'Ostie, au sud de l'embouchure du Tibre ? Ou bien, plus au nord, serait-ce Rimini, sa ville natale, sur le littoral adriatique ? Peu importe. C'est en tout cas dans un paysage familier que Federico Fellini tourna son deuxième film en solo: Les vitelloni. Et l'héritage du néoréalisme reculait déjà un peu face à sa fantaisie...

Cinq jeunes hommes désoeuvrés seront mes protagonistes du jour. Moins de dix ans après la fin du fascisme, Moraldo, Alberto, Fausto, Leopoldo et Riccardo forment un groupe soudé, mais pas homogène. Loin de l'engagement de leurs pères, ils passent de longues journées oisives à errer et à séduire les femmes (ou à s'y essayer, du moins). Cela leur paraît normal, sachant qu'on les laisse plus ou moins faire. D'ailleurs, ce ne sont pas les spectateurs qui y trouveront à redire. Sous la caméra du maestro Fellini, cette vie paraît presque enviable. Dans toute la première partie du film, il est question de s'a-mu-ser ! Le désenchantement arrivera ensuite, après une soirée de carnaval...

C'est connu: le plaisir de la vie, c'est toujours mieux à au moins deux. Or, à mesure que le temps passe et que les bons copains des débuts vieillissent, la bande est fragilisée par des comportements et intérêts divergents. Ainsi, d'avoir épousé Sandra qu'il a mise enceinte, Fausto déprime ! Il aura tôt fait de reprendre ses habitudes de type bravache et désinvolte, perdant même son travail dans de tristes aventures. Moraldo, lui, qui était déjà venu au secours d'un Alberto qu'un abus d'alcool avait rendu agressif, tentera encore de "sauver les meubles". Las ! En dépit de ses efforts, Les vitelloni commence à s'assombrir. De l'humour toujours, mais le ton du film évolue assez radicalement...

Derrière les sourires de façade, il y a en fait beaucoup de mélancolie. Plusieurs raisons peuvent l'expliquer, mais je n'en privilégie aucune. Malgré certains aspects autobiographiques, le film laisse chacun libre des conclusions qu'il tire du récit: il n'est ni moralisateur, ni univoque. Souvent, les images parlent d'elles-mêmes, mais les cinq personnages principaux s'avèrent si différents les uns des autres que la désillusion semble pouvoir frapper n'importe qui, à n'importe quel moment. Résultat: à des degrés variés, nous pouvons tous nous y reconnaître. C'est possiblement ce qui explique que cet opus reçut un Lion d'argent à Venise. Et fut ensuite le premier succès de son auteur à l'étranger...

Vous constaterez que chez Fellini, et ce n'est pas qu'une métaphore subtile, il y a ceux qui restent à quai et ceux qui prennent le train. Pour exister et avoir un vrai sens, la "réussite" passe par un départ. Chose qui m'a surpris: dans Les vitelloni, il est également suggéré que garder l'espoir n'est peut-être qu'une question de génération. Cette fois encore, chacun interprétera ce qu'il verra à sa manière. J'aime ce cinéma qui illustre et, cependant, n'impose aucun discours préétabli: j'y vois une forme d'humanisme à laquelle je suis sensible. De toute évidence, elle contribue grandement à mon amour de l'Italie. Soyez dès lors bien (r)assurés sur un fait: je n'ai pas fini d'y revenir...

Les vitelloni
Film italien de Federico Fellini (1953)
Ce beau titre intraduisible fut pourtant traduit: Les inutiles (bof...). Passons sur ce point et retenons qu'il est déjà nettement moins rieur que le précédent de son auteur: Le cheik blanc - avec, déjà, ce duo d'acteurs majeurs que constituent Alberto Sordi et Leopoldo Trieste. Un excellent film, avant les merveilleux La strada et La dolce vita. NB: d'autres perles sont à redécouvrir en section "Cinéma du monde" !

----------
Une anecdote personnelle...
Ce film m'a appris qu'avant les César, il existait déjà une cérémonie française dédiée au cinéma: les Étoiles de cristal (de 1955 à 1975). Les vitteloni restera comme le premier lauréat du Prix international.

Et pour finir, d'autres liens intéressants...
Il n'en a pas tiré une chronique, mais je sais que notre ami Eeguab demeure attaché à ce film. Strum l'est aussi - et a priori plus que Lui.

L'Allemagne vue d'ici

J'avais d'abord l'intention de laisser le film de mercredi vivre un jour supplémentaire en tête de blog, mais je me suis tout à coup souvenu que c'était hier la conférence de presse du 78ème Festival de Cannes. L'événement ne débutera que le 13 mai: je décide donc de ne parler aujourd'hui que de... la réussite très relative du cinéma d'Allemagne !

Je vénère ce film, mais je trouve un peu dingue que Paris, Texas demeure la toute dernière Palme d'or remise à un cinéaste allemand. Pire: avant cette consécration de Wim Wenders en 1984, les jurys cannois n'ont honoré que Volker Schlöndorff pour Le tambour (1979). Aucun autre film venu d'outre-Rhin n'a reçu la récompense suprême. Même constat du côté des Grands Prix, qui sont parfois considérés comme de très intéressants "lots de consolation". Il me paraît logique que la compétition soit rude, cela dit, et je note que son palmarès reste assez largement dominé par la France, les États-Unis et l'Italie. Enfin, c'est sans tenir compte des résultats des sélections parallèles...

Est-ce que cela conduit le cinéma allemand à l'échec en France ? Non. Mais les chiffres de notre box-office ne sont pas très élevés ! Précision: je vais m'en tenir aujourd'hui aux films en images réelles. Mais je laisse quelques opus tournés en coproduction internationale...

Voici le classement des meilleurs succès depuis l'ouverture de ce blog:
1. La vie des autres - 1.516.801 entrées,

2. Le ruban blanc - 649.212 entrées,
3. Perfect days - 397.479 entrées,
4. Goodbye Bafana - 364.133 entrées,
5. Hannah Arendt - 347.067 entrées,
6. Le labyrinthe du silence - 340.857 entrées,
7. Toni Erdmann - 337.085 entrées,
8. Pina - 316.716 entrées,
9. Only lovers left alive - 314.861 entrées,
10. Barbara - 291.933 entrées.

Anecdote: Helga, la vie intime d'une jeune femme, un documentaire sorti en 1968, reste le long-métrage allemand qui a le mieux marché chez nous (avec tout de même un peu plus de 4 millions d'entrées). Peut-être que nous pourrions envisager d'être un peu plus ouverts. J'aimerais avoir votre avis et serais heureux de lire vos propositions !

Hilde (et les autres)

Environ 150 habitaient la capitale allemande. D'autres se sont réunis dans des groupes en Belgique et en France. Le contre-espionnage nazi les appelait l'Orchestre Rouge, après avoir capté des messages radio émis depuis l'Union Soviétique. Leurs opérateurs ? Des "pianistes". Leurs appareils ? Des "boîtes à musique". Une tragique histoire vraie !

 

Cette histoire, un film nous la raconte aujourd'hui: Berlin, été 42 l'aborde à partir du personnage - réel - de Hilde Coppi (1909-1943). Active dès 1939, cette femme issue d'une modeste famille ouvrière aura d'abord travaillé auprès d'un médecin, puis pour un organisme d'assurance. Elle a finalement été arrêtée, l'autorité judiciaire d'alors lui reprochant notamment d'avoir reçu et relayé plusieurs messages démentant la propagande officielle sur le sort des soldats du Reich envoyés sur le front russe. Après la rupture du pacte de non-agression germano-soviétique, elle aurait aussi rédigé divers affiches et tracts hostiles à la poursuite de la guerre. Deux "crimes de haute trahison" auxquels s'ajoute celui d'avoir caché et entretenu un espion présumé. Dans l'attente d'un procès sommaire, Hilde a été envoyée en prison...

Or, à l'heure de faire face à l'univers carcéral, elle était enceinte ! C'est le tout premier frisson que procure l'évocation de son destin. Évidemment séparée de son mari Hans, elle a dû se débrouiller seule, après un accouchement éprouvant, pour nourrir et élever son enfant derrière les barreaux. Vous pouvez imaginer que les geôles nazies n'avaient absolument rien de confortable (ou même de "pratique") pour une jeune mère et son bébé, promis à la mort ou à un placement administratif auprès d'une famille respectable. Et si, pour une raison quelconque, vous doutiez de cette terrible vérité historique, le film vous rattrapera aussitôt en l'assénant avec force, lors d'une scène aussi concrète que glaçante. Et oui, il y en aura beaucoup d'autres ! Âmes sensibles, je vous conseille ce film... en connaissance de cause.

Chose étonnante: il y a aussi plusieurs moments de grande humanité dans ce Berlin, été 42. Auprès bien entendu d'autres protagonistes eux-mêmes engagés dans la résistance active, mais pas uniquement. C'est ainsi que le scénario nous offre toute une galerie de portraits étonnants et introduit une certaine douceur là où on n'en attend pas. Personnellement, j'ai ainsi été sensible à l'évolution du caractère brut d'une gardienne de prison, ainsi qu'à la noble empathie d'un pasteur chargé d'accompagner les derniers instants des condamné(e)s à mort. Tout cela apporte un peu de réconfort, y compris pour le spectateur. J'ai envie de parler d'équilibre ou, a minima, de non-manichéisme. Sans jamais un mot plus haut que l'autre, le film touche au coeur. D'une parfaite justesse, il bénéficie vraiment d'une écriture ciselée...

Peut-être le considérerez-vous un peu long - il dure deux heures cinq.

*** ATTENTION SPOILERS ***

J'ai cru être arrivé au bout quand, conduite à l'échafaud, l'héroïne respire un moment à l'air libre et profite d'un ultime rayon de soleil. Mais j'ai trouvé intelligent que le récit s'étende sur quelques minutes supplémentaires: une nouvelle voix s'élève alors - et pas la moindre. Je le dis avec une sincère humilité: il me semble que c'était le geste parfait à accomplir pour boucler la boucle du temps et des émotions. Sans vouloir tout vous dévoiler, j'aimerais toutefois vous encourager à être particulièrement attentifs au montage du film. Les séquences de prison alternent avec celles du bonheur passé de Hilde, ce dernier étant présenté "à l'envers", des derniers jours à son commencement. C'est triste et, en même temps, très beau. Et incroyablement vivant !

Berlin, été 42
Film allemand d'Andreas Dresen (2024)
Je savais que des Allemands avaient résisté à Hitler, mais j'ai appris au moment du générique final que ce film-là s'inspirait d'une histoire vraie. Il y en a d'autres: cf. Elser ou Une vie cachée, par exemple. Pour ce qu'il dit de l'Allemagne post-1945, Le labyrinthe du silence mérite également d'être appréhendé comme une possible synthèse. Sans oublier Phoenix, un récit de la Shoah subie par une Allemande...

----------
Vous aimeriez en savoir davantage ?
Wikipédia semble assez complet sur Hilde Coppi et l'Orchestre Rouge.

Vous voudriez aussi d'un autre avis ?
Comme le plus souvent, Pascale m'a précédé. Je vous laisse regarder. Dasola a suivi son bon conseil et, à l'évidence, elle ne l'a pas regretté.

Jeu de masques

Vous connaissez Steven Soderbergh, je suppose ? Palmé d'or en 1989 pour son premier long, le cinéaste américain utilise parfois les noms de ses parents, Peter Andrews et Mary Ann Bernard, comme pseudos pour signer la photo et le montage de ses films. Vous le vérifierez avec le dernier en date: The insider (Black bag, dans d'autres pays) !

En France, cet opus n'a été distribué qu'à peine cinq petites semaines après le précédent, Presence. Question: Soderbergh en fait-il trop ? Ou, en passant d'un horror movie subjectif à un film d'espionnage classique, ne donne-t-il tout simplement pas libre cours à son talent ? Certains s'en souviendront: il y a une douzaine d'années, le réalisateur avait annoncé sa retraite... et vite répondu aux sirènes de la télé. Finalement, il ne sera pas resté inactif très longtemps ! Et ses fans disent qu'il a une nouvelle fois conçu une oeuvre assez sophistiquée...

The insider démarre quand un officier des services de renseignement britanniques apprend à un autre qu'une taupe a infiltré leur réseau. Aucun coupable avéré, mais la liste des suspects compte cinq noms. Parmi eux, celui de la femme de l'agent chargé de mener l'enquête. Après le préambule, nous la suivrons en quasi-intégralité, à ses côtés. Tout cela n'est sans doute pas très vraisemblable, mais je m'en fiche. Que dire ? Cate Blanchett et Michael Fassbender font bien leur boulot. Idem pour Pierce Brosnan, qui est toujours un maître-espion correct. C'est sur le scénario (de David Koepp) que j'ai d'importantes réserves à formuler: l'intrigue elle-même m'a paru beaucoup trop complexe. Bilan: cela m'a un peu gâché le plaisir et je reste donc sur ma faim. Un point positif, cependant: l'histoire se tient en une heure et demie !

The insider
Film américain de Steven Soderbergh (2025)
Des promesses, certes, mais je suis sorti du film relativement déçu. C'est vrai aussi que l'espionnage n'a jamais été mon genre préféré. Toujours chez Soderbergh, mais plutôt comique, The informant ! m'avait également fait l'impression d'un film moyen et peu abouti. Conseil d'ami: visez-en d'autres, en entreprise, tels Michael Clayton ou Duplicity. Le meilleur choix ? Il pourrait être animé avec Spycies.

----------
Je suis un peu navré de le constater...
Le film fait flop et Pascale s'est elle aussi copieusement enquiquinée.

Histoire de chien

Cela n'arrive - au maximum - que deux ou trois fois par an: pour clore cette petite semaine de cinéma, je propose d'évoquer un film chinois. Le 24 mai dernier, dix ans après un succès personnel, Xavier Dolan décernait le Prix Un certain regard du Festival de Cannes à Black dog. Il a donc fallu attendre neuf gros mois pour qu'il soit enfin distribué...

Vous avez de la Chine l'image d'un pays désormais entré de plain-pied dans la modernité "à l'occidentale" et de fait très largement urbanisé ? Black dog ne vous donne pas entièrement tort, à la différence près que son scénario vous accompagne sur un site en voie de disparition possible. Il devrait cependant accueillir quelques usines, ce qui passe avant tout par la destruction préalable de vieux immeubles décrépits !

Or, problème: les rues de certains quartiers sont infestées de chiens errants. Lang, un jeune homme sorti de prison, rejoint une brigade chargée de leur mise en fourrière. Seuls les propriétaires en mesure de payer une certaine somme - amende ou bakchich, allez savoir... - échappent à cette réglementation. Toute cette histoire nous conduit vers un territoire méconnu, à la lisière du (très) vaste désert de Gobi.

Vous admettrez sans doute que ce n'est pas un cadre très habituel pour les spectateurs européens. C'est l'une des belles qualités du film que d'être tout à fait dépaysant... sans chercher à l'être à tout prix. Mais quel sens faut-il attribuer aux images de ce long-métrage avare en dialogues et traversé par la musique de Pink Floyd ? Je l'ignore. Mon hypothèse: elles parlent de la Chine des laissés-pour-compte. Celle qui avance vers un progrès illusoire, à marche forcée. Un propos pessimiste, oui, sauf à croire encore possible de fuir vers sa liberté...

Black dog
Film chinois de Guan Hu (2024)
Je ne connaissais pas ce réalisateur, né en 1968 et actif depuis 1994 ! C'est un enfant de la balle: ses parents étaient comédiens de théâtre. D'après lui, il faut mettre l'homme et le chien "sur un pied d'égalité". Il dit avoir "voulu montrer la réalité telle qu'elle est" avec ce film. Notez-y la présence de Jia Zhang-Ke, qui avait réalisé Les éternels. Autres films à voir: les deux polars Black coal et Une pluie sans fin !

----------
Une ultime précision, importante toutefois...
Le film que je viens de vous présenter est censé se dérouler en 2008. L'histoire débute ainsi à quelques mois des Jeux olympiques de Pékin.

Et pour finir, je constate une chose assez rare...
Dasola est la première des blogueuses que je lis à s'y être intéressée. Vous pourrez relever également que Pascale lui a vite emboité le pas !

Robinson junior

Larguer les amarres et faire le tour du monde en bateau: c'est le rêve des parents de Michael, qui quittent l'Angleterre pour partir au loin. Sans rien dire à personne, le jeune garçon a embarqué sa chienne dans l'aventure - la condition pour que le voyage lui soit agréable. Quand une tempête survient, il pense avant tout... à sauver l'animal !

Vous l'aurez sans doute compris à la vue de l'image: il y parvient. Mais, après cela, il se retrouve naufragé sur une île oubliée des cartes marines. Et, pire, sans son papa, sa maman et sa grande soeur ! Heureusement, un autre humain se cache dans une luxuriante forêt voisine et viendra le secourir. C'est une histoire à la Robinson Crusoé que nous raconte Le royaume de Kensuké. L'amour que les auteurs de ce joli dessin animé portent à la nature apparaît à chaque image. J'imagine bien qu'il en était de même chez Michael Morpurgo, l'auteur du livre illustré éponyme, sorti en 2000 dans sa traduction française. Pas grand-chose de très original dans tout cela, me direz-vous. Effectivement, mais j'ai malgré tout pris du plaisir à regarder ce film destiné aux plus jeunes d'entre nous (à partir de 8-10 ans, je dirais). Si vous avez des kids de cet âge, c'est parfait pour un mercredi. Sinon, c'est vous qui saurez si vous souhaitez "retomber en enfance" !

Le royaume de Kensuké
Film britannique de Neil Boyle et Kirk Hendry (2023)
Vous pourrez noter que ce long-métrage a aussi des producteurs français et luxembourgeois. Je lui ai trouvé plusieurs points communs avec Sauvages, une petite perle découverte à l'automne, l'an dernier. Et un autre, étonnant, avec Onoda - 10.000 nuits dans la jungle. L'animation nous invite vraiment à rêver fort, plus grand que nous. Adeptes d'aventure, revoyez Tout en haut du monde et Terra Willy !

----------
Non ? Je ne vous ai pas convaincus ?
Bon... peut-être que notre amie Pascale y parviendra mieux que moi.