Un fâcheux accident

Incorrigible ! J'ai (encore) la faiblesse de croire qu'un duo d'acteurs sympathiques peut sauver le plus improbable des films. Il est ardu d'expliquer autrement ce qui m'a poussé à regarder Vol d'enfer. Derrière ce titre français vraiment frelaté se cache un long-métrage d'intérêt moyen, mais avec Rosanna Arquette et Christopher Reeve...

1918. Edgar Anscombe pilote des avions et est instructeur de vol auprès de particuliers. Un crash cause la mort d'un de ses clients. Reconverti dans l'aéropostale, il entend ne plus voir personne à bord de son appareil. Oui mais voilà... dix ans plus tard, il est contraint d'accepter une passagère, Tillie Hansen, une jeune fille de famille bourgeoise, que son père - évidemment veuf - punit de son côté rebelle en l'envoyant apprendre les bonnes manières chez une tante éloignée. Il arrive bien sûr ce qui devait arriver: un nouvel accident. Tillie/Rosanna et Edgar/Christopher s'en sortent, mais se retrouvent coincés sur un haut sommet des Rocheuses, à la merci des loups. Autant dire que Vol d'enfer ne s'embarrasse guère de vraisemblance ! Il faudra le prendre tel qu'il est pour l'apprécier vraiment. Les idées écologiques qui ont cours aujourd'hui le desservent, assurément. J'insiste par honnêteté: c'est bel et bien un petit film. Un tout petit...

Ma fascination pour les avions peut justifier un part du plaisir coupable pris à découvrir cette histoire. Derrière une moustache épaisse et en combinaison tout cuir, Christopher Reeve joue les durs et on fera comme si on y croyait juste un peu. Un même penchant accompagnera la prestation de Rosanna Arquette, qui fait semblant d'avoir 17 ans tandis qu'en réalité, elle en a presque dix de plus ! Heureusement, la beauté des décors et costumes nous permet d'oublier qu'il y a beaucoup de facilités (et de clichés) dans ce récit. Vol d'enfer apparaît alors pour ce qu'il est: une production modeste des années 80, basée sur un tandem de stars appréciées du public. C'est peu, oui, mais ce n'est déjà pas si mal et probablement meilleur qu'un autre film du même nom, avec Steven Seagal, sorti en 2007. J'avoue: parfois, ce genre de longs-métrages peut bien me convenir. Typiquement, les soirs où j'ai envie d'un popcorn movie à l'ancienne...

Vol d'enfer
Film américain de George Trumbull Miller (1985)
Tout sauf incontournable, ce gentil petit film m'a offert un moment relax: je crois en fait que c'est mon coeur de midinette qui parle. Notez-le: fin 2017, un autre long-métrage (La montagne entre nous) racontait une histoire équivalente, avec Kate Winslet et Idris Elba. Pour un voyage plus musclé, vous pouvez aussi suivre Liam Neeson sur Le territoire des loups. L'homme et la nature, c'est cinégénique !

Reconstruction

Une précision: je vais vous parler aujourd'hui d'un film que j'ai vu deux fois en quatre jours. Au travers des oliviers s'est quasi-imposé dans mon agenda cinéphile: la bibliothèque où je me rends parfois l'avait programmé un samedi matin et on m'a proposé de le présenter. Pour être franc, il m'a semblé bien plus "accessible" la seconde fois...

Logique: entre les deux séances, j'avais cherché des informations. Sans trahir de secret important, je peux donc vous dire que ce film est le troisième d'affilée tourné par Abbas Kiarostami dans le village de Koker, situé au nord de l'Iran. Quatre ans auparavant, la région avait subi un tremblement de terre, dont les graves conséquences matérielles sont encore - et volontairement - très visibles à l'écran. Sur cette terre meurtrie, Au travers des oliviers raconte un tournage compliqué: il s'avère en fait que c'est celui du précédent long-métrage du réalisateur. Mais il ne s'agit pas seulement d'une mise en abyme audacieuse: inspiré du réel, le scénario crée une fiction, donne à voir les réalités contrastées d'un pays et nous offre le portrait touchant d'une jeunesse livrée à elle-même. C'est à la fois intense et fascinant.

Évidemment, loin de nos habitudes européennes, on peut perdre pied devant les chassés-croisés de ce récit complexe. Mon expérience personnelle ? Je me suis d'abord senti attentif à suivre les péripéties du plateau de tournage reconstitué et me suis donc d'abord intéressé au film dans le film. Ce n'est véritablement qu'à la deuxième vision que j'ai été conquis par les personnages - ce beau duo fille/garçon incapable de se parler comme deux post-adolescents "ordinaires". Impossible d'affirmer le contraire: je n'ai pas été ému tout de suite. Au travers des oliviers a fini par me plaire comme une porte ouverte sur un monde que je connais mal et à partir du moment où j'ai perçu toute l'empathie dont témoigne l'homme placé derrière la caméra. Finalement, je me trouve tout à fait satisfait de l'avoir vu... et revu !

Au travers des oliviers
Film iranien d'Abbas Kiarostami (1994)
J'émets quelques réserves, mais mon bilan est globalement positif. Cette approche presque néoréaliste a bel et bien fini par me séduire. Cela me donne envie de revoir Le goût de la cerise, le film suivant du cinéaste (et l'une des deux Palmes d'or du millésime 1997). Auriez-vous un autre Kiarostami à me suggérer ? Un simple constat d'évidence: ce cinéma d'Iran me reste encore très largement inconnu !

Une forêt et des hommes

Il aura fallu attendre 22 ans pour que Nausicaä de la vallée du vent parvienne jusqu'à nous dans sa version intégrale. Le studio Ghibli n'existait pas encore quand le grand maître japonais Hayao Miyazaki a ébloui son pays avec ce dessin animé, tiré de son manga éponyme. En le découvrant, c'était un peu comme si je revenais aux sources...

Certains présentent parfois le vieux chef de file de l'animation japonaise comme un artiste écolo. Bon... le fait est qu'il nous parle ici d'un monde où une forêt ne cesse de gagner du terrain, aux dépens d'êtres humains qui la voient comme une menace et sont dépassés par les événements. D'où une opposition: les uns jugent indispensable de détruire les arbres et, avec eux, les insectes géants qui semblent les protéger, tandis que les autres s'efforcent plutôt de s'en préserver sans affecter l'équilibre. Autant vous le dire sans retard: Nausicaä... m'a relativement surpris par la (relative) complexité de son scénario. Pas sûr que le film soit vraiment accessible aux très jeunes enfants...

Si j'ai bien compris, c'est en fait amputé d'une vingtaine de minutes qu'à l'époque de sa sortie sur les écrans japonais, il avait d'abord fait l'objet d'une projection-événement organisée au Grand Rex, à Paris. L'intention des distributeurs était alors de mettre en avant les scènes d'action, ce qui a sûrement conduit à occulter une partie du message. Nausicaä... est une oeuvre qu'il faut également voir avec le coeur. Objectivement, je crois pouvoir dire que Hayao Miyazaki a fait mieux ensuite, mais il y a déjà là beaucoup de sa philosophie artistique. Important sur le plan historique, le long-métrage mérite également d'être aimé pour lui-même: c'est une belle histoire joliment racontée. L'esthétique est des plus étonnantes: les personnages ont une allure moyenâgeuse, mais le récit est pour ainsi dire science-fictionnel ! Mon enthousiasme n'est pas total, mais je ne sais pas dire pourquoi. Peut-être est-ce juste que j'attendais encore davantage d'émotions...

Nausicaä de la vallée du vent
Film japonais de Hayao Miyazaki (1984)
Un bon moment, même si, donc, ce ne restera pas mon Miyazaki favori. J'aimerais désormais revoir Princesse Mononoké pour le côté écolo. Avant cela, puisque l'on en parle, je vous redis ma préférence pour Le voyage de Chihiro (et Ponyo sur la falaise, au rayon kids). Mon index du cinéma mondial vous mettra sur d'autres pistes animées nippones. Il est plus que probable que j'en présente quelques autres...

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Si vous souhaitez prolonger le débat...
Je suis déjà persuadé que la chronique de Strum vous intéressera. Nota bene: vous pouvez aussi entendre parler du manga chez Dasola !

Nouvelle jeunesse

Il arrive que le hasard mette inopinément des films sur notre route. Ainsi, sans la visite de mes parents il y a quelque temps, l'opportunité de voir Faust, une légende allemande me serait passée sous le nez. C'est ainsi en cherchant un spectacle que j'ai appris qu'il était projeté lors d'un ciné-concert. Et je vais donc à présent tout vous expliquer...

Le Diable fait un pari avec l'archange Gabriel: il entend lui démontrer que tout être est corruptible. L'enjeu de la négociation ? Le contrôle absolu de l'ensemble de la Création ! Méphisto descend donc sur Terre pour y rencontrer un vieil humaniste, qui n'a trouvé aucune solution véritable aux maux de son temps (maladies, famines et guerres). Lorsque, grâce au Malin, la situation s'améliore, le docteur est chassé de chez lui, accusé - non sans raison - d'une sulfureuse complicité. N'ayant plus rien à perdre, il signe alors un autre pacte pour recouvrer sa jeunesse perdue, en échange de son âme. Cela relève d'un mythe germanique ancien, appuyé sur un personnage réel du 16ème siècle...

Quand il s'empare de cette histoire, Friedrich Wilhelm Murnau marche dans les pas d'autres artistes avant lui. Le cinéaste allemand travaille une dernière fois dans son pays, avant son départ aux États-Unis. Ancien historien de l'art, il n'a pas encore 40 ans, mais sa maîtrise formelle est incontestable: il nous a laissé ici une oeuvre muette d'une incroyable puissance émotionnelle, pour qui veut bien s'y laisser prendre. Sa restauration récente m'a presque fait oublier que Faust... est un film nonagénaire et donc l'un des plus vieux que j'ai pu voir ! Un statut "patrimonial" qui ne le hisse pourtant pas à des hauteurs inaccessibles. En fait, je dirais qu'il fait d'abord appel à notre coeur...

Je laisserai à d'autres le soin de revenir en détail sur les techniques employées pour réaliser un tel film. Ma connaissance du cinéma muet n'est encore que très légère: mon émotion est liée à mon impression qu'à cette époque, on faisait beaucoup avec relativement peu d'outils. Cela étant, certaines scènes de Faust... font aussi appel à des effets spéciaux - désignation moderne ? - et il paraît que la UFA, la société de production du long-métrage, n'avait encore soutenu aucun projet aussi complexe et coûteux. Oui, elle y aurait même perdu de l'argent ! Cela n'enlève rien à la qualité du travail de Murnau, mais je me dis que nous avons de la chance de pouvoir encore l'apprécier aujourd'hui.

Je vous ai déjà dit que j'ai vu le film en ciné-concert: une musique était donc jouée en live pendant la projection. Si je ne parle pas ici de bande originale, c'est parce que j'ai trouvé diverses sources contradictoires au sujet du compositeur de la partition de l'époque. Personnellement, c'est un accompagnement improvisé par le pianiste français Jean-François Zygel que j'ai entendu - une belle découverte. Pour info, c'était d'autant plus spectaculaire que j'étais alors perché au cinquième étage d'un majestueux théâtre à l'italienne, avec vue plongeante sur la scène et dans un confort vraiment... relatif, disons. Une autre des raisons qui font que je garderai un souvenir marquant !

Faust, une légende allemande
Film allemand de Friedrich Wilhelm Murnau (1926)
Quatre étoiles bien méritées pour cette perle ! Elle me rappelle aussi combien j'avais apprécié les autres longs-métrages du même cinéaste découverts auparavant - à savoir L'aurore (1927) et Tabou (1931). Voilà qui va également attiser ma curiosité envers le cinéma muet ! Bon... je ne parlerai pas aujourd'hui des versions parlantes du mythe de Faust au cinéma. Mais possible que ce ne soit que partie remise...

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Si cette longue chronique ne vous a pas contentés...
Vous pourrez toujours en lire une autre du côté de "L'oeil sur l'écran".

Dansons, maintenant !

Si le cinéma est le septième art, à quel rang la danse se place-t-elle ? D'après Wikipédia, au sixième et ainsi avec les autres arts scéniques que sont le théâtre, le mime et le cirque. Je monte donc d'un cran aujourd'hui pour vous parler de deux (beaux) films à entrechats ! C'est quasiment coup sur coup que j'ai eu l'occasion de les découvrir...

 

Le danseur du dessus
Film américain de Mark Sandrich (1935)
Fred Astaire a débuté sa carrière cinéma en 1933 et, sorti deux ans plus tard, Le danseur du dessus est déjà... son cinquième film ! C'est également sa quatrième collaboration avec Ginger Rogers. Mademoiselle, à vrai dire, était actrice depuis un peu plus longtemps. Qu'importe: ils ont le même mérite dans ce joli pas de deux. Beaucoup considèrent cet opus comme un grand classique: il oppose un danseur quelque peu arrogant, descendu dans un luxueux hôtel avant un spectacle, à une jeune femme qui voudrait bien y dormir tranquille. Un quiproquo XXL vient alors pimenter le récit: la belle s'enferme dans l'idée que le roi des claquettes est un véritable mufle ! Évidemment, aujourd'hui, on n'écrit plus un scénario comme celui-ci. Quant à savoir si c'est grave... je ne crois pas, sincèrement. Hollywood a tourné la page, mais nous laisse retourner dans le passé pour la consulter à nouveau - ce que j'ai fait avec un certain plaisir. La reconstitution en studio d'une Venise de pacotille vaut le coup d'oeil ! Le reste est très sucré, bien sûr, et donc assez sympathique...

Les chaussons rouges
Film britannique de M. Powell et E. Pressburger (1948)
Vous l'avez sans doute remarqué: j'utilise le terme de "chef d'oeuvre" avec beaucoup de circonspection. Bon... j'ai quand même très envie d'ajouter sans attendre Les chaussons rouges à ma liste personnelle ! Je n'ai pas vraiment compté, mais cela faisait déjà un bon moment que j'avais entendu parler de ce classique comme d'un très grand film. Je savais qu'il y était question d'un ballet, mais j'avais ensuite fermé mes écoutilles pour éviter toute information supplémentaire. Inspiré d'un conte d'Andersen, le scénario retrace la vie d'une jeune ballerine talentueuse, qui parvient - non sans difficulté ! - à attirer l'attention d'un grand impresario. Tout aussi doué que méconnu, un musicien convainc simultanément le nabab de l'embaucher comme compositeur. Stop ! Le reste, je vous laisse le (re)découvrir. Même si l'intrigue pourrait paraître très ordinaire, le long-métrage est d'une telle beauté qu'il m'a subjugué de bout en bout. L'ensemble des outils du cinéma est mis ici au service de la danse, de manière d'autant plus viscérale qu'une longue scène chorégraphique se déploie au coeur du métrage. J'en ai vu d'autres sur scène, mais là... c'est encore autre chose. L'une de mes plus grandes émotions esthétiques de ces derniers mois.

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Pour s'en remettre, voici d'autres pistes de danse...
Le danseur du dessus est venu bien avant Chantons sous la pluie. Et Les chaussons rouges annonce Black swan... ou même Suspiria !

Et pour finir, si vous le souhaitez, j'ai quelques liens...
Le danseur du dessus avait fait l'objet d'une chronique 100% visuelle chez Ideyvonne et d'un texte de "L'oeil sur l'écran". Ce dernier blog présente également Les chaussons rouges, tandis que l'ami Strum propose une analyse - en deux parties - du style Powell / Pressburger !

Un autre Ouest

On dit de Sergio Leone qu'il a changé à jamais l'image du western. Amoureux des légendes de l'Amérique, le cinéaste italien en a joué dans plusieurs films devenus cultes. J'ai saisi l'occasion d'en revoir un au cinéma: Et pour quelques dollars de plus, la deuxième escapade du maestro quelque part à l'Ouest... et le troisième de ses sept films.

Attention aux faux semblants: un nombre important d'autres films émaillèrent la carrière du Romain, à ses débuts comme assistant notamment, ou plus tard comme coréalisateur - pas toujours crédité pour son travail. On sait aussi que le cinéaste se cachait parfois derrière un pseudonyme. Autre mystification: le tournage en Espagne d'un film censé se passer sur le sol américain. On peut comprendre que c'était nécessaire pour plaire aux producteurs, espagnols, donc, italiens également, mais aussi allemands. Ce serait faire une erreur que de réduire Et pour quelques dollars de plus à ce décalage géographique. Aussi baroque soit-il, le film est une véritable perle formelle, qui surprend constamment par une grande liberté de ton. Quand il est sorti, je veux croire qu'il a dû en surprendre plus d'un. Pourtant, le scénario est minimaliste: il nous invite à côtoyer un duo de chasseurs de primes, associés opportunistes en route pour décimer toute une bande de desperados. Clint Eastwood et Lee Van Cleef jouent avec brio de l'opposition des caractères de leurs personnages !

Avec Gian Maria Volontè, le long-métrage s'offre un troisième larron supposé incarner le mal absolu. La prestation fiévreuse de l'acteur confirme ce sentiment d'avoir affaire à un salaud de la pire espèce. Pourtant, comme toujours chez Sergio Leone, les bons sont ambigus et violents, les brutes attachantes et les truands parfois fragiles. Derrière la forme, c'est ce fond incertain qui suscite mon admiration pour ce cinéma d'artisan, axé sur les hommes et leurs contradictions. Est-il utile de le préciser ? L'extraordinaire musique d'Ennio Morricone fait mieux qu'ajouter à l'émotion: je dirais presque qu'elle la définit. Parler d'opéra, c'est dire un grand mot, mais en réalité, je l'assume ! La magie tient à ce que ce lyrisme n'est ni chanté, ni même prononcé de manière explicite: de nombreuses scènes se passent de dialogues importants. Rêve d'enfant porté à l'écran, Et pour quelques dollars de plus témoigne d'une foi radicale à l'égard du médium cinéma. Évidemment, on peut rester imperméable à cette énergie créatrice. Mais je crois que bien des "faiseurs" s'en inspireraient valablement...

Et pour quelques dollars de plus
Film italien de Sergio Leone (1965)
Quelle grande oeuvre ! J'aurais pu lui attribuer cinq étoiles pleines. Oui, mais... je place la suivante (Le bon, la brute et le truand) seule au sommet. Il était une fois dans l'Ouest est un immense film également, mais sur un autre ton, parce que, soudain, une femme apparaît en pleine lumière. Je ne me suis jamais lassé de cet univers. Autant dire que je n'ai donc pas fini de vous parler de Sergio Leone...

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Une précision sans doute utile...
Quinze mois avant Et pour quelques dollars de plus, Sergio Leone ouvrait le feu avec Pour une poignée de dollars. Les deux films peuvent se voir séparément, dans un sens ou même dans l'autre. Malgré d'incontestables traits communs, l'histoire n'est plus la même !

Pour la blague...

Je n'apprends rien aux cinéphiles: d'aucuns jugent que le cinéma français a perdu son sens de l'humour ! Il existe de grands classiques de la comédie française, mais le temps de rire serait, lui, révolu. Aujourd'hui, de manière un peu arbitraire, je rassemble deux films encore jeunes pour en juger. Votre avis m'intéresse, bien entendu...

Un crime au Paradis
Film français de Jean Becker (2001)
Dans un petit village de France, Joseph Braconnier élève des chèvres. Cette vie lui conviendrait parfaitement s'il pouvait encore s'entendre avec sa femme, mais Lucienne est une harpie, alcoolique de surcroît. N'est-elle bonne qu'à être tuée ? Je vous laisse en juger avec le film. Scénarisé par Sébastien Japrisot, il n'a pourtant pas l'aspect sulfureux de certaines de ses oeuvres. Est-il drôle, alors ? Très légèrement, oui. Rien de désopilant, à mon humble avis. On retrouve Jacques Villeret dans l'un de ces rôles de grand naïf dont il était coutumier. L'ensemble reste sage, chacun restant à sa place: Josiane Balasko, Suzanne Flon, André Dussollier ou Daniel Prévost. Un peu paresseux...

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Juste au cas où...
Un autre avis est aussi accessible sur le site de "L'oeil sur l'écran".

Gaston Lagaffe
Film français de Pierre-François Martin-Laval (2018)
M'enfin ! Isabelle, la fille du génial André Franquin, déteste le film ! Rageuse, elle s'est dit "impuissante à empêcher le désastre" ! Passer des cases d'une bande dessinée aux images du cinéma, peu de héros sont parvenus à le faire sans encombre. Mon affection pour Gaston me fait dire qu'ici, effectivement, il n'est guère à son avantage. Parce que le cadre est trop grand pour lui ? Peut-être. La prestation du jeune Théo Fernandez dans le rôle titre demeure honorable, oui. Mais le reste, ma foi, est souvent un peu lourdingue. Dommage ! J'imagine que cela vient de l'écriture: étirée, l'absurdité des situations devient quelque chose de risible et/ou d'hystérique. Issu de l'équipe des Robins des Bois, je me dis que le réalisateur a raté son coup. Devant la caméra, il gesticule, sans vraiment amuser. Mention bof...

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Et pour info...
Vous pouvez également lire la (courte) chronique de l'amie Pascale.

Face au monstre

Le film dont je vous parlerai aujourd'hui n'est pas sorti dans les salles françaises. J'imagine qu'il cible un public avide de "contenu", ce terme affreux qui désigne la grande masse de ce qui transite sur Internet. Bref... c'est via mon abonnement Web que je l'ai découvert il y a peu. L'ai-je apprécié ? Oui, parce que son côté geek me correspond bien...

Colossal raconte l'histoire de Gloria, virée de chez son petit ami. Injustice ? C'est assez discutable, car la jeune femme se laisse aller. Aucun boulot et un certain problème avec l'alcool. La voilà contrainte d'aller chercher un nouveau toit, d'atterrir dans une maison familiale abandonnée et de renouer avec sa vie d'avant. C'est assez efficace dans un premier temps et permet donc une auto-reprise en mains. Sauf qu'un jour, un monstre attaque la Corée, ce qui entraîne Gloria dans une étrange aventure. STOP ! Je vous laisse découvrir la suite...

Vous dire tout de même que, sous ses airs vraiment décalés, Colossal dit quelque chose d'assez juste sur notre monde déconnecté du réel. Assez peu appréciée en général, me semble-t-il, Anne Hathaway montre ici une facette d'actrice que je ne lui connaissais pas. Franchement, le film est plus malin qu'il n'y paraît d'abord: je dirais même qu'il s'agit d'un portrait de femme, d'une belle intelligence. Sans doute en existe-t-il de plus profonds, mais je ne m'attendais pas aux développements du scénario. Un (petit) bémol: la durée du récit est peut-être un peu longue, ce qui induit de fait quelques redites. Autre chose: sur le plan formel, je n'ai rien vu de remarquable. N'accablons pas les techniciens pour autant ! D'autres longs-métrages jouent la carte de l'esbroufe. Ma foi, j'ai aimé la modestie de celui-là.

Colossal
Film hispano-canadien de Nacho Vigalondo (2016)
Une surprise ? Rien d'extraordinaire, en fait, mais un bilan correct. J'avoue que je ne connaissais pas le réalisateur non plus. Il me semble que j'avais entendu parler du film, mais... j'ai oublié où et quand ! Face à tant d'imprécision, il ne me reste donc plus qu'à vous suggérer de le regarder et de donner leur chance à d'autres "petits" films. L'occasion de saluer le monstre qui sévit dans 10 Cloverfield Lane...

Mon avis sur Emma

Hop ! Je rebondis sur la chronique d'avant-hier: je voulais vous dire quelques mots de plus sur Emma Stone, une actrice que j'aime bien. Je l'appelle "Miss Manga", ses grands yeux m'évoquant souvent ceux des personnages typiques de quelques bandes dessinées japonaises. Vous voyez le truc ou c'est une illusion ? Ce n'est pas très important...

Née le 6 novembre 1988, Emily Jean Stone a troqué son vrai prénom contre un diminutif pour éviter toute confusion avec une autre actrice plus âgée qu'elle ! Aujourd'hui, je suis sûr que le petit monde hollywoodien sait très bien qui elle est, d'autant qu'elle a été honorée d'un Oscar en 2017 - c'est le plus prestigieux de ses Prix à ce jour. Sacré chemin parcouru depuis 2004 et ses débuts (jamais diffusés !) dans une télé-réalité. Jeune ado, la demoiselle avait fait du théâtre...

Je n'ai vu aucun de ses quinze premiers rôles au cinéma, entre 2007 et 2014. Elle s'est d'abord fait remarquer dans un vaste registre comique, semble-t-il. Des films plus "sérieux" ou même dramatiques ont progressivement fait d'elle une figure familière pour un public élargi. Emma conserve un faux air de fille ordinaire assez touchant. Comment évoluera-t-elle maintenant qu'elle a passé les 30 ans ? Difficile à dire, mais une mini-série télé et des films sont annoncés...

Et les droits des femmes, dans tout ça ? Emma est l'une des parties prenantes du mouvement Time's up, dont elle a signé la lettre ouverte pour réclamer une plus grande action (d'envergure internationale) contre le harcèlement et les agressions sexuelles. Je ne crois pas qu'elle soit l'actrice la plus engagée pour la cause, mais je reconnais que je n'ai pas approfondi le sujet... qui le mériterait, pourtant ! Peut-être que ce sera l'occasion d'une autre chronique. Allez savoir...

En attendant, pour y (re)trouver Emma Stone, vous pouvez voir...
- Magic in the moonlight (Woody Allen / 2014),
- Birdman (Alejandro Gonzalez Iñárritu / 2014),
- L'homme irrationnel (Woody Allen / 2015),
- La La Land (Damien Chazelle / 2016),
- Battle of the sexes (Jonathan Dayton et Valerie Faris / 2017).

Vous pouvez aussi l'entendre dans la VO du dessin animé Les Croods ! Et à présent, c'est moi qui écoute vos suggestions et commentaires...

Misère des courtisanes

Yorgos Lanthimos ne s'arrête décidément plus d'avoir du succès ! Sélectionnés à Cannes ou à Venise, les quatre films que le réalisateur grec a réalisés entre 2009 et 2017 ont à chaque fois été récompensés. Son dernier, lancé à la Mostra à la fin de l'été dernier, en est reparti avec le Grand Prix du jury. Un atout pour la réussite de La favorite...

Cela dit, j'étais très loin de ces considérations festivalo-festivalières quand j'ai découvert la bande-annonce du long-métrage. L'honnêteté m'oblige à vous dire que, tout de suite, je me suis senti intéressé. Mieux: attiré ! Mon amour quasi-inconditionnel des films en costumes peut parfaitement s'épanouir sur le sol d'Angleterre - il l'a déjà fait. Rejoindre la cour de la reine Anne (1665-1714) me faisait très envie. Pour être tout à fait honnête, j'ignorais encore tout de son histoire ! J'avais imaginé que le scénario témoignerait de la très grande rivalité entre deux femmes très proches de la souveraine et je jubilais d'avance d'observer le jeu de massacre promis par la bande-annonce. Objectivement, sur le fond, j'étais proche de la vérité: la couronne britannique s'incarne ici dans une monarque peu au fait des réalités du royaume et qui laisse presque l'une de ses conseillères gouverner pour elle. Oui, il règne une drôle d'ambiance de décadence au palais...

Et que fait Anne ? Elle tente de résister à la goutte, élève des lapins censés remplacer ses 17 enfants morts nés ou en bas âge et couche parfois avec sa première courtisane ! Et voilà qu'une autre ambitieuse débarque tout à trac, prête à entamer une partie de jeu d'échecs ! Franchement, malgré un a priori très favorable, je me suis vite lassé de la contemplation des turpitudes de ces dames. La reconstitution m'est apparue plus "tape-à-l'oeil" qu'autre chose, la faute sûrement aux incessants mouvements de caméra, fondus enchaînés et images arrondies par l'utilisation répétée (et peu utile) d'un objectif fish eye. J'épargnerai au trio Olivia Colman / Rachel Weisz / Emma Stone quelques-unes de mes critiques les plus virulentes: les trois actrices n'ont rien perdu de leur talent et je n'ai rien à redire contre l'idée qu'on puisse aller voir le film pour elles - c'est un peu ce que j'ai fait. Au reste, La favorite m'a déçu: il m'a semblé vulgaire et prétentieux. Yorgos Lanthimos innove à chaque film: c'est un bon point pour lui. Mais, cette fois, j'ai trouvé qu'il tombait dans le piège de l'esbroufe...

La favorite
Film britannique de Yorgos Lanthimos (2018)
Un film de "petit malin", que j'ai trouvé plus roublard qu'intelligent. L'impression (fâcheuse) d'une singularité noyée dans le bling-bling. Même proche des faits historiques, tout cela ne m'a guère passionné. Autant donc revoir Canine, un autre des films du même cinéaste. Maintenant, si ce sont les jeux de cour qui vous intéressent, je juge plus judicieux de vous suggérer Elizabeth ou, à la limite, The queen.

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Et pour être tout à fait complet...
Je vous renvoie également à la lecture des sites de Dasola et Strum. Pascale, elle, a bien voulu nous proposer un joli "tir groupé" féminin !