La loi du milieu

Que nous ayons le même prénom n'y change rien: j'ai mis du temps avant de véritablement apprécier le cinéma de Martin Scorsese. Reste que, malgré ce bref retard à l'allumage, je suis désormais la carrière du cinéaste avec intérêt et j'ai plaisir à découvrir ses vieux films. Récemment, c'est Mean streets, son troisième long, que j'ai rattrapé.

Cette histoire de truands, je l'ai trouvée bien ficelée, je dois dire. Ensuite, j'ai appris avec amusement qu'elle était sortie sur les écrans américains plus d'un an avant ma naissance et en France à l'approche de mes 18 mois. Wikipédia assure que Martin Scorsese s'était lancé dans l'écriture du scénario dès 1966, alors qu'il étudiait encore son art sur les bancs de la Tisch School, fondée... un an plus tôt. L'idée première du pré-script consistait à plonger un personnage d'homme honnête au beau milieu d'un groupe de gangsters. Cela étant, le héros de Mean streets est évidemment bien plus ambigu: Charlie Cappa n'émerge pas encore au rang des affranchis, mais il s'y verrait bien. Son espoir est de convaincre son tonton mafieux de partager avec lui une part du gâteau, au coeur même des bas-fonds de Little Italy. Questions cruciales: de quoi est-il capable pour y parvenir ? D'oublier sa petite amie et sa bande de copains ? Aura-t-il seulement le choix ?

Pour camper son personnage principal, Martin Scorsese fait confiance à un acteur qu'il a lancé six ans plus tôt: le très bon Harvey Keitel. Dans ses pattes, il a l'excellente inspiration de lâcher un chien fou âgé d'à peine 30 ans et qui bouffe la pellicule: un certain Robert De Niro. La complémentarité du duo fait de l'ombre aux autres, sans dommage toutefois pour la narration. Mean streets est mieux que le brouillon d'oeuvres à venir: c'est un film qui dégage une forte personnalité. Outre la suite d'images soignées, en intérieurs comme en extérieurs nocturnes, le style s'affirme à grands renforts de tubes rock d'époque. L'action se déroule sans réel temps mort, jusqu'à une conclusion prévisible, mais étonnante quand même, parce qu'assez abrupte. Soyons clairs: ce n'est surtout pas un reproche que je fais à cette fin. Sèche comme un coup de trique, elle m'a au contraire vraiment plu. L'âpreté formelle se combine bien avec le cinéma de genre, je trouve.

Mean streets
Film américain de Martin Scorsese (1973)
Mine de rien, c'est le sixième long du cinéaste dont je parle ici. Derrière Taxi driver, c'est sans doute aussi mon préféré à ce jour. J'aime tout particulièrement l'aspect quasi-ethnologique des plans. Concrètement, Martin Scorsese filme ce qu'il connaît et ça se sent. John Cassavetes lui avait conseillé de tourner un sujet personnel. Bingo ! Cet aspect incarné est l'une des grandes qualités de cet opus.

Dans la tourmente

Jamais deux sans trois: après avoir enchaîné deux films japonais d'époques différentes, j'ai été tenté d'en voir un troisième d'affilée. L'idée que ça me permette de boucler un mini-cycle m'a plu. J'ai choisi ensuite un vieux long-métrage: Je ne regrette rien de ma jeunesse. D'un Kurosawa à l'autre, c'est une sorte de clin d'oeil, même si Kiyoshi et Akira ne sont pas apparentés. Et à l'arrivée, beaucoup de plaisir...

Je ne regrette rien de ma jeunesse m'a bluffé, littéralement. L'envie d'aborder un Akira Kurosawa qui ne soit pas un film de samouraïs était bonne: j'ai a-do-ré ce mélodrame, classique mais pas banal. L'homme qui tient ici la caméra et co-signe le scénario n'a pas 40 ans. Pourtant, en portant le regard quelques années en arrière, il trouve dans l'histoire récente de son pays des événements qu'il juge dignes d'être racontés. Début de la décennie 1930: l'impérialisme japonais pousse l'archipel à entrer en collision avec la Chine. Des universités s'enflamment et contestent la légitimité de l'autorité de l'armée. Quelques jeunes gens, la belle Yukie et ses amis, sont aussitôt pris dans la tourmente qui se généralise, chacun sur une position politique différente. La première qualité du film est là, dans cette évocation subtile de faits réels, sans manichéisme ni complaisance. C'est beau !

Ces vieilles images m'ont également plu pour deux autres raisons. D'abord, je me dois de le préciser: elles constituent une fresque historique. Le scénario avance en effet dans le temps et marque donc des étapes, cruciales, un peu avant le début de la seconde guerre mondiale sur le sol européen, puis en 1941 et 1945. D'autres jalons importants de l'histoire du Japon sont ainsi évoqués, comme l'attaque aérienne sur la base américaine de Pearl Harbor ou la capitulation finale. Par ailleurs, j'ai été très sensible à une décision étonnante prise par le scénariste et réalisateur: avoir confié le tout premier rôle au personnage féminin ! Nous sommes en 2015 et le milieu du cinéma se voit encore régulièrement taxé de machisme: il y a là des leçons d'ouverture d'esprit à prendre pour les mecs trop sûrs de leur talent. Si romanesque soit-il, Je ne regrette rien de ma jeunesse s'affiche avant tout comme un film libre, apte à bousculer bien des préjugés. Qu'il soit sorti dans les salles japonaises un an à peine après la paix retrouvée, c'est fort, quand même ! Ce peuple m'étonnera toujours...

Je ne regrette rien de ma jeunesse

Film japonais d'Akira Kurosawa (1946)

Une demi-étoile "bonus" pour saluer la belle audace du scénario ! Ami(e)s amateurs du 7ème art nippon, il se peut que d'autres oeuvres japonaises arrivent très prochainement sur ces pages. Il est certain que j'ai encore bien des choses à découvrir de ce côté de la planète cinéma. Aux non-initiés, je recommande volontiers Voyage à Tokyo. Setsuko Hara (Yukie) y tient un autre rôle puissant. J'en reparlerai...

Le spectre amoureux

Aimer le cinéma, je crois, c'est accepter de croire à l'invraisemblable. Parfois, il m'arrive de batailler pour expliquer à mes parents et amis qu'un film n'a pas forcément à être réaliste, que la cohérence suffit pour charpenter un bon scénario. Vers l'autre rive illustre assez bien mon propos: cette histoire de fantômes japonais pose des enjeux fantastiques, qu'elle tisse ensuite avec une grande maîtrise formelle.

D'autres vous le diront: ce film n'est pas forcément facile à aborder. Le sujet lui-même est assez austère et il me semble que les Japonais le traitent d'une toute autre façon que nous: je veux parler du deuil. L'héroïne du long-métrage est une femme seule: Mizuki, professeure de piano qui a perdu son mari, Yusuke, depuis trois ans. Un jour ordinaire, aussi gris que les autres, le couple se reforme: le spectre de l'époux apparait, comme s'il n'était jamais parti qu'un instant. Pourtant, il est bel et bien mort et il le sait: il confirme à sa veuve que son corps disparu en mer a été dévoré par les crabes. Mizuki s'agite et se réveille. A-t-elle rêvé ? Non, Yusuke est toujours là. Mieux que visible, palpable, en mesure de mener une conversation ordinaire avec d'autres vivants. Vers l'autre rive propose au couple un long voyage à travers le Japon, une nouvelle occasion de se parler. Les suivre au plus proche, c'est aussi, pour nous, une belle escapade.

À ce stade de ma chronique, j'ai envie de saluer deux personnes importantes: Kazumi Yumoto, la romancière qui a signé le texte originel, et Takashi Ujita, qui a contribué à l'écriture du scénario adapté. Le réalisateur, Kiyoshi Kurosawa, a déjà reçu des lauriers pour ce film, jugé un peu atypique dans sa filmo: au mois de mai cette année, il est en effet reparti du Festival de Cannes avec un Prix de la mise en scène, mérité, dans la sélection Un certain regard. Bonne nouvelle pour lui qui semblait avoir connu quelque difficulté pour financer certaines de ses oeuvres précédentes. Ce qui est bien pour nous, membres du public, c'est que le cinéaste est demeuré fidèle à sa ligne artistique et à sa spiritualité. Vers l'autre rive innove par son aspect plutôt apaisé, mais, ainsi que je l'ai souligné d'emblée, c'est bel et bien une histoire de fantômes (au pluriel, oui !). Visuellement, je l'ai aimé pour quelques-unes des plus belles images que j'ai vues au cinéma en 2015. La lenteur du rythme de l'ensemble m'a un peu dérouté, mais j'ai tenu bon. Et la conclusion m'a cueilli...

Vers l'autre rive
Film japonais de Kiyoshi Kurosawa (2015)
Bon... tout ça prouve aussi que j'ai eu raison de regarder Shokuzai. Si je ne l'avais pas fait, je serais resté sur une impression mauvaise quant au talent du cinéaste. Résultat: désormais, après avoir pris deux fois plaisir à regarder l'un de ses films, j'ai envie... d'en voir d'autres ! D'ici là, je surveille un peu d'autres réalisateurs japonais contemporains, tels Naomi Kawase et Hirokazu Kore-eda. À suivre...

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Des avis contrastés sur le film ?
Oui: vous en lirez chez Tinalakiller, Dasola, Pascale et Princécranoir. C'est donc une occasion de vérifier aussi qu'il ne fait pas l'unanimité.

Une bonne soupe

Je ne dis pas ça pour lui faire de la pub (quoique...): mon association cinéma a quand même un talent certain pour nous dénicher des films de derrière les fagots. Le dernier en date ? C'est Tampopo, un carton du box-office japonais en l'an de grâce 1985 de notre bonne vieille ère chrétienne. Au fait, pour info, le titre, c'est le prénom de l'héroïne...

Cette gentille dame est une jeune veuve et la maman d'un garçon d'une dizaine d'années. Pour s'en sortir, elle tient une vague échoppe traditionnelle, où elle cuisine exclusivement des ramen - c'est-à-dire des soupes de nouilles, autant le préciser. Le souci, c'est qu'en dépit d'une bonne volonté évidente, notre amie n'est pas un cordon bleu. Heureusement, un client de passage la prend en pitié et accepte généreusement de lui venir en aide. En guise de fil conducteur narratif, Tampopo raconte alors comment et avec qui. C'est loin toutefois d'être l'unique sujet du film: très décousu, le scénario s'autorise d'innombrables déviations autour de personnages étonnants et même-pas-secondaires. Je vous jure que c'est vrai: le métrage s'enrichit de plein d'autres histoires, comme autant de mini-sketchs !

On découvrira notamment un yakuza dans de drôles de pérégrinations érotico-alimentaires, une mémé assez frappadingue pour tripoter compulsivement toutes sortes de mets sans les acheter, une femme mourante qui trouvera juste la force de préparer un dernier repas pour son mari et ses enfants, des hommes d'affaires bien incapables de lire le menu d'un restaurant français... ça n'est pas évident présenté ainsi, mais ça nous parle beaucoup de bouffe, tout ça. Tampopo est une comédie, en réalité, à classer du côté des films improbables du cinéma asiatique. Pas sûr que ça vous fasse rire. Derrière la gaudriole, le réalisateur s'amuse, lui, à parodier gentiment certains de ses confrères, américains par exemple. Son style d'apparence naïve est un écran de fumée: il tourne aussi en dérision certains des travers de la société nippone. Rien de très agressif là-dedans. Les yeux écarquillés de surprise, je me suis plutôt marré.

Tampopo
Film japonais de Juzo Itami (1985)
Je vous raconterai peut-être un jour la vie étrange de ce cinéaste nippon, dont j'ignorais tout il y a encore deux semaines. J'ai apprécié cette découverte, en tout cas, et elle en appellera peut-être d'autres. Avant cela, vous offrir un point de comparaison tient de la gageure ! Disons que, pour le côté loufoque, j'ai repensé à My sassy girl pendant la projection. Luis Buñuel n'aurait pas renié ce surréalisme...

Au sprint

J'ai quelques souvenirs d'enfance liés à la télé: Starsky et Hutch, X-Or et d'autres programmes sérieux. Je devais avoir sept ans environ quand mes parents ont acheté leur premier récepteur. Et aussi loin que je m'en souvienne, ils sont des lecteurs (critiques) de Télérama. Le jeu de mon adolescence, qui consistait à prendre toujours l'avis opposé à celui du journal, j'y ai repensé devant Cours, Lola, cours...

Il faut dire que, sous la plume de Jacques Morice, l'hebdo intello aurait plutôt tendance à dézinguer le film, s'interrogeant au passage sur l'existence d'un fossé culturel entre la France et l'Allemagne. Visiblement apprécié outre-Rhin, le récit aurait-il eu du mal à franchir l'invisible frontière ? C'est possible. Il ne m'a pas emballé non plus. L'hypothèse que je peux faire, c'est qu'étant donné qu'il a déjà 17 ans d'âge, il est désormais quelque peu "bouchonné". Sachant que j'aime follement des films beaucoup plus vieux, ça ne tient guère, tout ça. Bref... il faudra sans doute me résoudre à admettre que le scénario ne m'a pas franchement intéressé. L'idée de départ me semblait pourtant correcte: une Berlinoise aux cheveux rouges a vingt minutes maximum pour apporter 100.000 Marks à son petit ami, faute de quoi il sera abattu par le malfrat avec lequel il magouille. Pas une seconde et pas besoin de réfléchir alors au sens du titre: Cours, Lola, cours !

Je ne vais pas vous en dire plus sur l'intrigue de ce prétendu thriller. Une surprise arrive au tiers du récit: si je la dévoilais, je gâcherais votre (possible) plaisir. Personnellement, c'est là que j'ai décroché. D'improbable et distrayant, Cours, Lola, cours m'a alors paru artificiel, un peu pénible et plutôt décevant, en fin de compte. Frustration d'autant plus vive que je ne lui demandais pas la Lune. L'honnête divertissement escompté a fait long feu. Pour positiver quelque peu, je vais tout de même dire que le rythme frénétique adopté joue en faveur du film, bouclé en moins d'une heure vingt. Quelques inserts de dessin animé et une bande originale techno apportent un soupçon d'originalité, peu maîtrisé mais bienvenu. Situer l'action à Berlin aurait pu permettre d'aller beaucoup plus loin dans cette direction: j'ai eu le sentiment que le réalisateur réfrénait ses ardeurs. C'est tout de même un comble quand on a 33 ans... non ?

Cours, Lola, cours
Film allemand de Tom Tykwer (1998)
La personnalité de notre ami cinéaste se cacherait-elle finalement derrière tout un réseau d'influences ? On peut le croire: Tom Tykwer travaille également sur de gros barnums internationaux (Le parfum) ou en coréalisateur de superproductions américaines (Cloud Atlas). Son prochain film est prévu pour la fin de cette année. Côté frénésie et virtuosité, j'ai préféré l'opus 2015 de l'un de ses acteurs: Victoria.

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Un mot quand même sur l'actrice principale...
Franka Potente est allemande: elle a fêté ses 41 ans en juillet dernier. Elle court vite aussi dans La mémoire dans la peau (2002). Absente des écrans cinéma depuis 2010, elle enchaîne les séries télé.

Et non, je n'ai assurément pas la science infuse...
D'autres que moi ont aimé le film. Un exemple: Chonchon.

Casserole

Tout amateur de cinéma est ponctuellement confronté à ce problème délicat: parler d'un film qu'il a moins apprécié qu'il ne l'avait espéré. C'est mon cas aujourd'hui avec Marguerite, après lequel j'ai couru pendant trois bonnes semaines et qui m'a finalement (un peu) déçu. Catherine Frot, que j'aime pourtant beaucoup, n'aura donc pas suffi...

Résumons: Marguerite Dumont est une châtelaine française à l'aube des années 20. Passionnée d'art lyrique, elle offre très régulièrement des récitals enflammés à ses nombreux amis de la haute société. L'occasion de récolter des fonds pour des oeuvres de bienfaisance. Tout irait vraiment pour le mieux dans le meilleur des mondes bourgeois si la cantatrice amateur avait quelque talent. Or, son chant est une véritable torture pour les oreilles, jugement que chacun partage dans la coulisse, mais que jamais personne n'a osé exprimer en présence de Madame. Il y avait assurément dans ce personnage fantasque, inspiré de la soprano américaine Florence Foster Jenkins, le matériau suffisant pour une comédie décalée. Drôle, Marguerite l'est parfois, c'est indéniable, surtout grâce à l'abattage de l'actrice principale. Las ! Le scénario mise surtout sur les aspects pathétiques de cette pauvre femme inconsciente d'elle-même. Triste spectacle...

Entendons-nous bien: ce choix assumé en vaut sûrement un autre. C'est juste qu'au fond, j'ai du mal à situer exactement les intentions du réalisateur du film. Assez clairement, pour lui, le potentiel comique de son personnage n'a finalement que peu d'importance. S'agissait-il alors de nous émouvoir ? C'est possible et ça marche aussi. Ce que, franchement, je regrette, c'est ce choix d'orienter chaque regard vers l'improbable chanteuse: il ne reste que bien peu de place pour son entourage. Pire, à mes yeux, ce même entourage apparait au mieux effacé, sinon ambigu, voire carrément malveillant. L'époux (André Marcon), le serviteur (Denis Mpunga) et le professeur de musique (Michel Fau) sont bons, mais finalement sous-exploités. Marguerite chausse de trop gros sabots ! Il a toutefois le mérite d'être relativement fidèle à sa source d'inspiration: sur Youtube notamment, vous vérifierez aisément que Florence Foster Jenkins chantait effectivement comme une casserole. Quelques belles scènes sauvent même le film, mais il m'a paru trop mollasson. Dommage...

Marguerite
Film français de Xavier Giannoli (2015)
C'est un autre refrain connu des cinéphiles: les meilleures intentions du monde ne font pas toujours les grands films. Je ne vais pas jeter le bébé avec l'eau du bain: j'ai tout de même vu d'assez belles choses dans cette drôle d'évocation. Il est tout aussi certain que l'art lyrique peut faire naître de grands films, Amadeus n'étant qu'un bel exemple. Il faudra qu'un jour, je voie La flûte enchantée par Ingmar Bergman !

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Le personnage vous intéresse ?
En 2016, Meryl Streep devrait s'emparer de Florence Foster Jenkins dans un film de Stephen Frears, avec musique d'Alexandre Desplat. Wait and see, bien sûr, mais ça sent la grosse machine pour Oscars...

Vous voulez d'autres avis sur le film d'aujourd'hui ?
Je vous proposerai donc d'aller lire ceux de Pascale et de Dasola.

Avant Amélie

Vous l'avez sans doute entendu dire: un petit événement survenu ici peut avoir de grandes répercussions à l'autre bout de la planète. Notons toutefois que Le battement d'ailes du papillon, film français méconnu, reste cantonné à un univers 100% parisien. Je trouverais presque logique qu'il ait mieux marché à l'export que par chez nous...

Bon... une info importante: je sais qu'Audrey Tautou est adhérente d'un club fermé - celui des actrices qui certains adorent détester. Sincèrement, si vous ne l'aimez pas, il n'est pas indispensable d'esayer de voir le film: il risque de vous déplaire très franchement. Quand il commence, la miss est dans le métro: une lectrice d'horoscope lui assure qu'elle doit rencontrer le grand amour d'ici la fin de la journée. Bon, vous avez compris, ce n'est pas gagné d'avance. Et c'est bien sûr là que Le battement d'ailes du papillon va s'assurer de la légitimité de son titre: une série de petits événements indépendants pourrait alors permettre à la prophétie de se réaliser...

Le tout, c'est d'y croire. Attachant pour peu qu'on daigne lui accorder un regard bienveillant, le film ne casse toutefois pas des briques. Audrey Tautou étant fidèle à elle-même, la seule vraie surprise vient de la présence à l'écran de Faudel, qu'on appelait alors le petit prince du raï. Vous vous souvenez ? La manière dont la France a changé depuis donne une triste idée du temps qui passe inéluctablement. Trêve toutefois de morosité: Le battement d'ailes du papillon invite plus au rêve qu'à la nostalgie. Il nous encourage aussi à commettre chaque jour de petits gestes apparemment anodins, susceptibles pourtant de changer la face du monde. C'est ce qu'il faut en retenir. Objectivement, si vous vous penchez sur la mise en scène ou le jeu des acteurs, vous risquez d'être un peu déçus. Ça reste un petit film.

Le battement d'ailes du papillon
Film français de Laurent Firode (2000)
D'aucuns reprochent au réalisateur d'avoir aussi écrit le scénario. Concentré sur une seule de ces deux tâches, il aurait pu proposer meilleur spectacle. C'est possible, mais on ne pourra jamais être sûr ! Cet opus a été distribué dans les pays asiatiques sous un titre mensonger: Amélie 2 ! Sorti... un an plus tard, Le fabuleux destin d'Amélie Poulain offre à voir une production nettement plus aboutie.

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Ce petit film, il n'est pas interdit de l'aimer...
Voyez plutôt: mes amis de "L'oeil sur l'écran" prennent sa défense.

En présence du futur

Une fois n'est pas coutume: je tiens véritablement à vous proposer aujourd'hui une chronique cinéma à la sauce geek. Je suis presque sûr que certains d'entre vous savent que ce mercredi est une date culte dans la très longue histoire du cinéma. Je me suis donc dit qu'il fallait que je marque le coup, à un horaire précis, bien que très inhabituel...

La raison de ce décalage ? Il s'agit tout simplement de rappeler que, quand Marty McFly, sa copine Jennifer et Doc Brown montent à bord d'une DeLorean vers l'avenir dans Retour vers le futur 2, ils arrivent précisément le 21 octobre 2015, à 16h29, c'est à dire... maintenant ! Bon, ils ne sont pas chez moi: je n'aurai plus qu'à re-revoir le film. Maintenant, pour être tout à fait honnête, ce n'est pas une punition...

Avant cela, un petit mot sur Michael J. Fox, l'interprète de Marty. Cette photo à mes yeux assez douloureuse montre bien que le temps file rapidement: il s'est passé 25 ans (!) depuis ce deuxième épisode de la trilogie et Michael a fêté ses 54 printemps le 9 juin dernier. Touché par la maladie de Parkinson en 1991, il a vu sa carrière décliner ensuite, bien qu'il ait eu de nombreux rôles pour la télévision depuis le début des années 2000. Au cinéma, il est apparu vers Noël l'année dernière, jouant son propre rôle dans Annie, une adaptation de comédie musicale. Une première depuis douze longues années ! J'ai toujours de l'admiration pour cet acteur et cet homme courageux.

Christopher "Doc" Lloyd, lui, aura 77 ans... demain ! J'en ai parlé lundi et il tourne toujours, 40 ans après son premier rôle marquant dans le cultissime Vol au-dessus d'un nid de coucou, pour la télé comme pour le cinéma. Il a sans doute apporté une pierre au succès de Pierre Hatet, son doubleur français, grand comédien de théâtre depuis les années cinquante et vieux monsieur, de huit ans son aîné. Christopher suscite toujours de l'intérêt et des pensées amicales auprès d'un large public. Réservé sur sa vie loin des plateaux, il est réputé - et je dirais apprécié - pour cette même discrétion. Sa filmo me laisse imaginer qu'il aime se moquer de lui-même. Total respect !

Entre les deux monstres sacrés, je m'en serais voulu d'oublier l'homme qui leur a permis de tourner ensemble: l'ami Robert Zemeckis. Beaucoup de ces projets récents m'ont laissé indifférent, mais l'enfant que j'étais n'a pas oublié ses affections passées et refuse de renier ses frissons de bonheur devant Qui veut la peau de Roger Rabbit ? ou À la poursuite du diamant vert. Tout ça ne me rajeunit pas ! Bref... peut-être que ce bon vieux Robert a juste perdu la main. Vraiment ? Je n'en suis pas si sûr. Cinéaste de divertissement il était et cinéaste de divertissement il restera. Et je note aussi qu'onze ans après Le Pôle Express, il a écrit The walk. Sortie mercredi prochain.

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La parole est à vous, à présent...
Je suis curieux de connaître votre opinion sur Retour vers le futur. J'apprécierais aussi de lire vos avis sur d'autres aspects non évoqués.

Olé !

La postérité des frères Grimm est je crois garantie: non contents d'avoir inspiré un film de Terry Gilliam, Jacob et Wilhelm G. restent les auteurs d'innombrables contes adaptés sur grand écran. Il existe ainsi plusieurs versions de Blanche-Neige et je vais parler aujourd'hui de l'une d'entre elles, sortie voilà trois ans seulement: Blancanieves.

Comme son nom l'indique aux hispanophones, ce nouveau regard proposé sur le mythe est espagnol. Le film a même fait un carton critique de l'autre côté des Pyrénées, glanant dix Goya, l'équivalent local de nos César. Notre propre Académie l'avait également placé dans sa short list pour le Prix du meilleur film étranger. Blancanieves a pour moi un premier grand mérite: il ose jouer le décalage. L'histoire du conte est ainsi transposée dans l'Espagne des années 20. Blessé à la corrida, un toréador s'en sort handicapé mais, sitôt sorti du coma, apprend le décès de sa femme bienaimée. La belle Carmen laisse derrière elle un époux inconsolable et la fille qu'elle portait avant de mourir en couches. Bientôt, une infirmière, aussi belle qu'intéressée, s'insinue dans la vie du duo. Une espèce de sorcière...

Maintenant que j'ai dit deux mots du scénario, il me faut souligner l'aspect le plus important de ce film: en plus d'être en images réelles et en noir et blanc, Blancanieves est muet ! C'est donc à une vision proche du cinéma premier que le réalisateur nous convie élégamment. Si importante dans cette optique, la musique est remarquable. Dépourvue de toute outrance, l'expression des acteurs, elle, véhicule habilement les émotions les plus subtiles. Je n'ai vu (ou entendu) aucune réelle fausse note dans cette partition et ne m'étonne pas, donc, des honneurs rendus au long-métrage. Ce que j'ai trouvé admirable aussi, c'est cette audace qui consiste à offrir de la légende un visage moins connu, si ce n'est plus tragique. Je n'entrerai pas ici dans le petit jeu des sept différences, mais vous pouvez espérer quelques surprises. Bonnes ou mauvaises, c'est à vous de décider. Pour ma part, c'est un fait: vite et bien, je me suis laissé embarquer.

Blancanieves
Film franco-espagnol de Pablo Berger (2012)
Le saviez-vous ? La première apparition de Blanche-Neige au cinéma remonterait à un autre film muet, sorti en 1916. Il faudra patienter 21 ans avant de découvrir Blanche-Neige et les sept nains, le dessin animé des studios Disney. Le film présenté aujourd'hui, lui, est sorti la même année que Blanche-Neige et le chasseur, une relecture guerrière avec Kristen Stewart. Le filon parait toujours inépuisable...

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Si, de votre côté, vous n'êtes pas épuisés...
Vous pouvez encore retrouver le film chez Pascale, Dasola et Tina.

Marié ou pendu

Et de deux ! La dernière fois que je vous ai parlé d'un long-métrage avec Jack Nicholson, c'était déjà un western. Je récidive aujourd'hui et vais démarrer la semaine en vous présentant En route vers le sud. Ce drôle de film, notre ami l'a aussi réalisé. Il s'y lâche complètement et propose un portrait de mauvais garçon en roue libre. Sacré Jack...

Au départ, autant vous dire que ça sent très franchement le roussi pour son personnage: voleur de chevaux non repenti, Henry L. Moon est promis à la potence à brève échéance. Une loi lui sauve finalement la peau et le reste in extremis: étant donné que l'Amérique panse ses plaies d'après la Guerre de sécession et qu'elle manque cruellement d'hommes dans la force de l'âge, toute femme volontaire peut obtenir la grâce d'un bad boy, pour peu qu'elle se déclare disposée à l'épouser sans délai. C'est le petit miracle qui survient donc pour Moon, par l'entremise d'une mémé d'abord, vite morte d'émotions, puis d'une dénommée Julia Tate, propriétaire d'une mine et bien déterminée à y trouver de l'or. Je vous laisserai la surprise quant à ce que réserve par la suite le scénario d'En route vers le sud.

Loin d'être exceptionnel, le film est un aimable divertissement. Malgré tout le décorum du western, c'est plutôt une comédie potache qui nous est proposée ici. Les plus connaisseurs d'entre vous identifieront d'ailleurs sans difficulté quelques-uns des trublions fameux du cinéma américain d'alors: Christopher Lloyd en tête d'affiche, sans doute, mais également John Belushi et Danny DeVito. Chez ces dames, on remarquera surtout le premier rôle féminin confié à la jolie Mary Steenburgen, mais Veronica Cartwright tire elle aussi son épingle du jeu, avec le sourire. C'est vrai: En route vers le sud ne gagnera pas forcément l'admiration des habitués du Grand Ouest. Maintenant, je dois dire que j'ai pris quelque plaisir à le regarder. J'aurais pu ne pas le faire sans dommage, mais c'était rigolo, au fond.

En route vers le sud
Film américain de Jack Nicholson (1978)
L'autre western que j'évoquais en préambule, c'est Missouri Breaks. Sorti deux ans plus tôt, il offre une atmosphère bien différente. Comme souvent en pareil cas, je recommande de ne pas choisir. Autant voir les deux films si possible: c'est ce que je vous conseille. Pour ceux qui auraient flashé sur Mary Steenburgen, une info-cadeau en bonus: elle joue aussi une cowgirl dans... Retour vers le futur 3 !