Et pourtant, il tourne...

Je l'ai souvent remarqué: la période des fêtes de fin d'année voit la programmation télévisée s'enrichir d'excellents films de cinéma. Ainsi, le 26 décembre dernier, Arte, chaîne à vrai dire très cinéphile, m'a-t-elle permis de découvrir Ed Wood, deuxième des collaborations entre Tim Burton et Johnny Depp. Le personnage-titre a réellement existé: il était cinéaste dans les années 50 et 60. Peu de temps après sa mort en 1978, il fut désigné comme le plus mauvais réalisateur de tous les temps. Un vilain titre qui lui vaut d'être passé à la postérité.

C'est sans ironie aucune que Tim Burton s'est penché sur ce destin incroyable. Loser extrême, Ed Wood enchaînait les films comme des perles, sur la base de petits budgets et sans grand talent. Le long-métrage fait de lui un personnage attachant, déterminé à prouver sa valeur, mais jamais arrogant. Autour d'un parfait Johnny Depp gravitent une série de "créatures" étonnantes. On pourra trouver du plaisir à revoir des visages connus: ceux de Jeffrey Jones, Bill Murray ou Lisa Marie. Plus inattendue peut-être, la présence de Martin Landau: le comédien excelle en Bela Lugosi, acteur d'époque tout aussi farfelu, devenue star sous la cape de Dracula et qu'un mauvais choix de carrière condamna à l'oubli. L'alchimie du duo qu'il forme avec le personnage principal fait qu'au-delà de ses aspects comiques, le film gagne en pathétisme poétique, dans ce qui est aussi l'histoire d'une belle et assez surprenante amitié réciproque.

Autre très bonne idée: le tournage en noir et blanc. Même les enchaînements de scènes donnent l'impression d'être devant un film d'époque. Le soin porté à la reconstitution, costumes, décors et maquillages, est admirable. C'est vrai que c'est souvent le cas dans les films qui parlent directement du cinéma, mais je crois bon d'insister sur ce point: ce n'est pas tous les jours qu'Hollywood revient sur cette page de sa longue histoire. Ed Wood nous parle d'un temps que les moins de 50 ans ne peuvent guère connaître. Bien évidemment, l'univers Tim Burton colle plutôt bien avec celui de ces productions de série Z. Parce que le travail des réalisateurs et des acteurs a beaucoup changé aujourd'hui, il est agréable de revenir en arrière en pareille bonne compagnie. Et, même si ce n'est assurément pas ce que le septième art a fait de mieux, ça m'a même donné envie de me retourner également vers ce cinéma alternatif. À suivre...

Ed Wood
Film américain de Tim Burton (1994)

Un gros coup de coeur pour cette production du maître incontesté du gothique. Le retour aux sources tient presque lieu de bain de jouvence: sinon son meilleur film, je crois avoir vu l'un des plus beaux. Quelque part entre Freaks et La famille Addams, il m'a aussi fait songer à une autre biographie filmée consacrée à un personnage hors-normes du petit écran américain, j'ai nommé Man on the moon.

Méchant malgré lui

Le dernier né des studios Disney est-il vraiment un film original ? Je dirais que oui, mais il est vrai aussi Les mondes de Ralph empruntent à son glorieux cousin Toy story une idée fondatrice: montrer ce que les jouets deviennent quand les joueurs ont le dos tourné. Cette fois, nostalgie oblige, le scénario évoque les jeux vidéo et tous les personnages qu'ils générent depuis une bonne trentaine d'années. Les connaisseurs se retrouveront en terrain familier. Nostalgie aidant, j'ai personnellement trouvé le concept très sympa.

Le Ralph du titre du film est en fait le méchant d'un jeu vidéo, destructeur d'immeubles de son état. Il s'oppose à Félix, héros reconstructeur et aimé de tous. Le vilain a le blues, lui qui est condamné à vivre seul sur un tas de gravats. Quand il part chercher un peu de reconnaissance dans d'autres jeux, il déclenche aussitôt une catastrophe vidéoludique, menaçant jusqu'à l'existence de son univers pixelisé. Heureusement pour lui, il se lie d'amitié avec une petite gamine, apprentie pilote automobile aussi taquine que déterminée. Maintenant, je vous laisse découvrir les détails et la suite: Les mondes de Ralph est un bon film, plein de bonnes idées.

Pas besoin d'être un as des jeux vidéo pour suivre une intrigue accessible aux plus jeunes et qui devrait rappeler quelques bons souvenirs aux "anciens". En sortant de la salle de cinéma, je suis resté sur une très bonne impression générale. Les mondes de Ralph manque juste d'un tout petit quelque chose pour atteindre les sommets. De quoi exactement ? Je ne sais pas au juste. Peut-être tout simplement d'un zeste de folie. Pour le reste, le rendu technique est époustouflant. Je dois dire que j'ai également apprécié qu'au coeur de cette folie colorée, les créateurs aient su conserver l'aspect old school de l'animation de certains personnages. Souvenirs...

Les mondes de Ralph
Film américain de Rich Moore (2012)

J'ai un aveu à vous faire: j'ai presque écrit la totalité de cette chronique avec l'idée de parler du nouvel opus des studios Pixar. Erreur ! Même si John Lasseter, grand nom du studio à la lampe, a rejoint les rangs de Disney et peut de fait entretenir la confusion, c'est bien Mickey qui est à l'oeuvre ici. Il me paraît bien difficile toutefois de ne pas relever plusieurs idées et similitudes graphiques avec d'autres longs métrages tels Cars ou Monstres et compagnie...

Nordix

Ayant eu l'occasion de découvrir les dernières aventures filmées du petit Gaulois au cinéma, je n'ai pas été très surpris par le dessin animé diffusé à la télé il y a quelques semaines: Astérix et les Vikings. Sans détour cette fois par la Bretagne, il adapte l'album Astérix et les Normands. Bien ? Mal ? Je n'ai pas envie de trancher, mes souvenirs de la BD étant très flous. Je note toutefois que cette version fut nommée pour l'obtention d'un Gérard du pire massacre d'une oeuvre originale. C'est franchement sévère et assez discutable.

Laissez-moi plutôt vous raconter ce dont il est question ici: le film démarre quand Abraracourcix, le chef du fameux village gaulois, confie l'éducation de son neveu à ses deux hommes de confiance, Astérix et Obélix, bien sûr. Le nom du gamin est trompeur: Goudurix est en fait un pétochard de la plus belle espèce. Astérix et Obélix auront donc fort à faire pour le sensibiliser au raffinement de la chasse aux sangliers et au plaisir de la bagarre contre les Romains. Astérix et les Vikings verra aussi le joyeux trio s'offrir une expédition nordique, le plus couard des trois étant enlevé par une poignée de gros bras pressés... d'avoir peur et de savoir voler. Vous savez bien que la peur donne des ailes, non ? Mais si ! Puisqu'on vous le dit !

Cette seule explication pourrait vous décourager de donner sa chance à ce (petit) film. Financée en partie en France, réalisée par un duo danois et doublée par quelques voix connus ici - Roger Carel, bien sûr, mais aussi Lorant Deutsch, Sara Forestier ou Pierre Palmade -, cette gauloiserie n'est pourtant pas désagréable. De tous ceux que je connais, Astérix et les Vikings est peut-être même le dessin animé le plus réussi de la série. Il s'inscrit en tout cas dans une certaine modernité et, comme le fait Uderzo lui-même, adresse quelques clins d'oeil aux références culturelles de notre époque. L'image n'étant pas vilaine et l'action assez dynamique, on passe un assez bon moment. Je m'en suis contenté. On a certes le droit de préférer l'original !

Astérix et les Vikings
Film franco-danois de Stefan Fjeldmark et Jesper Moller (2006)

Sorti douze ans après Astérix et les Indiens, cet opus reste à ce jour la dernière adaptation animée d'un des albums gaulois d'Uderzo. D'autres réalisateurs s'empareront-ils de cet univers ? Je ne sais pas si je le souhaite.  Je vous laisse juger de l'opportunité de voir aussi Astérix & Obélix au service de sa majesté, dernière version filmée.

La plus sage des enfants

J'ignore tout du temps qu'il me faudra, mais j'aimerais bien revoir l'ensemble des classiques Disney. La période des fêtes de fin d'année m'aura permis de commencer avec Cendrillon, diffusé pour la première fois à la télévision. Je salue l'initiative de M6, même si j'enrage toujours de la manière dont la chaîne croit bon de saucisonner les films à coup de spots publicitaires casseurs d'ambiance. C'est d'autant plus regrettable d'introduire ces images que le long-métrage est un dessin animé vieux de 62 ans. Passons...

Inspiré du conte de Charles Perrault, Cendrillon est l'archétype de l'histoire de princesse dont chaque petite fille de l'époque a dû réver au moins une fois. Le personnage-titre vit recluse dans un château, prisonnière d'une odieuse belle-mère et de jeunes filles de son âge, aussi méchantes que stupides. Quand le roi du pays se décide subitement à marier son fils avec la plus belle demoiselle du royaume, il n'est pas difficile d'imaginer ce qui va se passer. Les coeurs purs sont toujours récompensés et ce n'est pas ici qu'il en sera autrement.

Comme souvent chez Disney, les personnages humains cohabitent harmonieusement avec toutes sortes d'animaux. On ne sera donc pas surpris que Cendrillon ait pour amis un bon gros toutou, un cheval, des oiseaux et toute une bande de souris - l'ensemble de la ménagerie devant d'ailleurs lui rendre un fier service à l'heure où se jouera son grand destin. En oubliant quelque temps la manière dont on réalise aujourd'hui, on passe un bon moment devant cette oeuvre familiale un peu fânée, mais non dépourvue d'un certain charme surrané.

Cendrillon
Film américain de C. Geronimi, W. Jackson et H. Luske (1950)
En attendant de revoir d'autres classiques, je dois convenir que le studio Pixar domine largement les productions Disney présentées ici. Pour rester dans un genre peut-être un peu moins fantaisiste, je vous invite à retrouver sans attendre deux autres dessins animés venus des grands créateurs américains: La princesse et la grenouille et Raiponce. Ils montrent que l'héritage des temps anciens est préservé.

Grosse poilade

Je suis content que les Mayas se soient trompés. Si la fin du monde avait bien eu lieu le 21 décembre dernier, mon ultime film aurait été Mais qui a re-tué Pamela Rose ? Imprévu au programme de mes sorties cinéma, je l'ai finalement vu grâce à une invitation. J'ai connu Olivier Baroux et Kad Merad au tout début des années 2000, en regardant certains de leurs sketchs sur la chaîne Comédie. Le long-métrage dont je vous parle est la suite d'un autre sorti à cette glorieuse époque, mais que je n'ai toujours pas vu. Sérieux s'abstenir.

Nés tous les deux en 1964, Kad et O se connaissent depuis 1991. Dans la pochade du jour, ils sont Richard Bullit et Douglas Riper, agents du FBI. Enfin... le premier est déjà à la retraite, le second en passe d'être viré. Neuf ans plus tôt, pourtant, les deux compères ont résolu une affaire criminelle particulièrement récalcitrante. Cette fois, il s'agit ni plus ni moins que de sauver la présidente des États-Unis of America (sic). Pour ceux qui ont vu le premier opus, une précision: Mais qui a re-tué Pamela Rose ? est un titre... et une fausse piste. Les protagonistes sont les mêmes, mais l'histoire change beaucoup.

Ce qui ne change pas, en revanche, c'est le niveau des blagues. Ceux qui attendent d'une comédie des jeux de mots subtils et une finesse d'écriture peuvent aller voir ailleurs si Kad et O y sont. Je suis sûr qu'ils ne les y trouveront pas ! Mais qui a re-tué Pamela Rose ? développe un humour à deux balles. C'est sa force et sa limite. Si nos chers trublions se prenaient au sérieux, ce serait catastrophique. Là, c'est absurde, limité, scatologique parfois, mais drôle au tout premier degré. Exemple avec un bout de dialogue: "Je ne peux rien vous dire, à part ce que je viens de vous dire, je peux vous dire je ne peux rien vous dire, j'aimerais vous le dire, mais je ne peux pas, je ne peux rien vous dire sauf que je ne peux rien vous dire". C'est vous dire !

Mais qui a re-tué Pamela Rose ?

Film français d'Olivier Baroux et Kad Merad (2012)

Il y a du beau monde dans les seconds rôles: Laurent Lafitte, Omar Sy, François Morel et la superbe Audrey Fleurot aiment déconner ! Ce type de pantalonnades rappelle la série des Y-a-t-il un flic de Leslie Nielsen. On peut aussi penser à Mister Bean (cf. Johnny English) ou, du côté français de la Manche, à La cité de la peur. Est-ce un humour grand public ? Pas sûr. C'était facile à compter: quand j'ai vu le film, quinze jours après sa sortie, nous n'étions que cinq dans la salle !

Félins pour l'autre ?

Screwball comedy. Présenté comme un genre hollywoodien mêlant amours improbables et gags en cascade, le concept me tournait autour depuis un moment. Je lui ai enfin donné sa chance courant décembre, quand Arte a choisi de diffuser L'impossible monsieur Bébé, vieux classique signé Howard Hawks. Premier vrai plaisir sous la naphtaline: celle d'y retrouver Katharine Hepburn et Cary Grant, déjà expérimentés, mais encore jeunes – 31 et 34 ans. Et puis ? Qu'ajouter ? Qu'honnêtement, le film lui-même m'a moyennement plu.

Je ne sais pas à quoi je m'attendais exactement. Peut-être à un truc un peu plus posé. Il est vrai que le long-métrage tourne à cent à l'heure, mais ce n'est pas (toujours) une qualité. Imposant son rythme frénétique, il ne nous permet de respirer qu'au générique final. Il faut dire aussi que je l'ai vu en version française: le décalage peut avoir nui à la qualité d'ensemble. L'impossible monsieur Bébé n'est pas un mauvais film. L'idée de départ me plaît, pour être honnête. Qu'une femme soit chargée de récupérer et de convoyer un léopard apprivoisé, cadeau offert à sa vieille tante, et tombe par un pur hasard sur un paléontologue en quête de subvention auprès de la même rombière, il n'y a que Hollywood pour l'inventer. C'est en fait l'hystérie généralisée qui m'a frustré. Le scénario est un peu trop riche à mon goût. Et même, ce qui est paradoxal, répétitif parfois.

On peut toutefois imaginer que les comédiens se sont bien amusés. Leur plaisir s'avère d’ailleurs parfois assez communicatif, au cours de scènes complètement absurdes. Les apparitions du félin sont même étonnantes de modernité pour un film en noir et blanc, tourné à la fin des années 30. J’insiste: je n'ai pas du tout envie de jeter L'impossible monsieur Bébé avec l’eau du bain. J'espère même franchement avoir d'autres occasions de mieux connaître la screwball comedy. Howard Hawks aura droit à une autre chance, lui aussi, et dans ce registre, car je n'ai pas envie de cantonner aux westerns un réalisateur que certains présentent comme le Steven Spielberg d'autrefois. Je reviens sur le couple vedette: j’ai été content malgré tout d'apprécier Cary Grant en jeune premier, loin de l'image glamour que j'avais de lui. Idem pour Katharine Hepburn ! Bref, une déception toute relative. Alors, un conseil: ne vous privez pas à cause de moi !

L'impossible monsieur Bébé

Film américain de Howard Hawks (1938)
L'aura dont bénéficie le long-métrage m'avait laissé espérer retrouver le plaisir que j'ai à dévorer les films d'autres incroyables monstres sacrés du cinéma américain, Blake Ewards et Billy Wilder. Raté ! Permettez-moi d'attendre un peu avant de vous offrir d'autres comparaisons… je n'ai pas envie d'en rajouter, d'autant que, pour être tout à fait franc, je ne me suis pas véritablement ennuyé non plus.

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Une autre chance ?

Le duo de "L'œil sur l'écran" saura peut-être mieux vous convaincre.

Petite Marie

J'espère ne pas avoir déjà fait fuir ceux qui n'aiment pas Francis Cabrel. Si je reprends aujourd'hui le titre d'une chanson du troubadour moustachu, c'est pour parler de Marie… Gillain. La jeune comédienne belge m'a donné envie de voir Mon père, ce héros.  En 1991, elle y faisait ses débuts, aux côtés de Gérard Depardieu. Elle avait 16 ans, soit à peine un et demi de plus que Véronique, son personnage. Mignonette, l'adolescente était crédible face à son monstre sacré de partenaire. Le long-métrage, lui, est sympathique, sans plus.

Mon père, ce héros, c’est l'histoire d'une gamine qui part en vacances avec son père, célibataire forcé après un divorce. André referait bien sa vie avec une autre femme, mais cette dernière semble le délaisser aussi. Il est donc à la fois un peu triste, nostalgique sans doute et papa-poule tendance "je t'étouffe, mais je t'aime". Sa petite Véro doit s'estimer heureuse d'être partie passer la fin de l'année sur l'île Maurice. Il n'est pas question qu'en plus, elle veuille fréquenter les garçons d'un peu trop près. Vous imaginez ce que ça peut donner quand elle le fait en dépit des consignes paternelles, s'inventant une vie avec un homme plus vieux qu'elle…

Ce marivaudage adolescent est donc sans grande substance. Les comédiens ne sont pas en cause. Gérard Depardieu ne force pas son talent, mais comme il en a beaucoup, il est bon quand même. Marie Gillain, elle, joue de manière très convaincante cette petite bonne femme, tour à tour mutine et ingénue. À l'image de Catherine Jacob, il y a même quelques seconds rôles sympa. L'ennui, c’est que tout ça ne va pas chercher bien loin: on a vite compris où cela veut mener et une fois le principe du scénario saisi, Mon père, ce héros paraît carburer à l'ordinaire. Pas au point de le présenter comme un navet, mais tout de même, soyons clair: il faut savoir se contenter de peu.

Mon père, ce héros

Film français de Gérard Lauzier (1991)
Il est fort possible, sinon certain, que je reparle bientôt de Marie Gillain. Je ne vois pas spontanément d'équivalent au petit film présenté aujourd'hui, mais je pense vraiment revenir prochainement sur la carrière de la comédienne. En attendant, si vous avez également envie d'apprécier Gérard Depardieu dans un film "light", je vous en conseille un passé récemment à la télé: La tête en friche. Une autre histoire intergénérationnelle, orientée dans l'autre sens.

Fidèle à lui-même

Début décembre, je vous avais parlé de mon théorème de Clint Eastwood. J'y reviens aujourd'hui pour évoquer Une nouvelle chance, le film du retour de mon idole DEVANT la caméra. Beaucoup ont déjà donné leur avis et le mien ne vaut pas forcément mieux que les autres. J'accepte parfaitement que cette nouvelle production paraisse banale. Le fait qu'elle soit également la toute première réalisation de Robert Lorenz, assistant-réalisateur et/ou producteur d'une série de films récents d'Eastwood, n'intéresse que les aficionados. De là à dire, comme j'ai pu le lire sous la plume d'un critique pro, que Clint n'osait pas signer lui-même son travail, il y a un pas que je ne franchirai pas.

Désolé pour tous les rabat-joie: même si je trouve crétine la façon dont les distributeurs français ont traduit le titre original Trouble with the curve, Une nouvelle chance m'a bien plu. Il est clair qu’il s'inscrit dans la pure tradition eastwoodienne. Gus Lobel travaille pour un club de baseball. Sa mission: superviser de jeunes joueurs et repérer les bons pour leur faire signer un premier contrat professionnel. Adepte des vieilles méthodes, Gus se rend directement sur les abords des terrains pour juger de ses propres yeux. Le problème, justement, étant qu'il commence à perdre la vue, tandis qu'un jeune premier prétend être capable de résultats plus fiables après une simple étude statistique du profil des recrues potentielles. Démarche que facilite l'usage d’Internet. Un outil pour les jeunes coqs, bien sûr, bien sûr...

Il est certain qu'avec Une nouvelle chance, on sait d'avance ce qui nous attend. L'histoire sportive n'est que l'argument pour exposer des figures classiques du cinéma américain, a fortiori des films d'un Clint fidèle à lui-même: conflits générationnels, romance à l'eau de rose, triomphe final des valeurs morales collectives face au cynisme d'individus portés sur le jeunisme. Un scénario battu et rebattu, parfois jugé lassant ou navrant de conservatisme. Moi, je continue d'aimer ces histoires, basiques mais plutôt bien filmées, qui me semblent composer un visage fidèle des Etats-Unis aujourd'hui. J'ai aussi, bien entendu, apprécié de revoir ma star à l'écran. Elle est ici bien entourée, par la jolie Amy Adams notamment. Bref, Mickey Lobel est clairement un archétype. Justin Timberlake et John Goodman tirent leur épingle du jeu, l'un poulain inattendu, l'autre ami fidèle.

Une nouvelle chance
Film américain de Robert Lorenz (2012)

La dernière apparition de Clint à l'écran dans un film réalisé par un autre que lui ? Elle remontait à 1993, avec Dans la ligne de mire, un film de Wolfgang Petersen. Pour juger des qualités d'Eastwood comme acteur, tout a failli s'arrêter avec Gran Torino, sorti en 2009. Je le reverrai une autre fois, mon attention s'étant jusqu'à présent plutôt focalisée sur l’homme que sur l'acteur. Pour une rétrospective, il est probable que je ne m'arrêterai pas seulement à Million dollar baby… 

Le jeune homme et la mer

Le premier long-métrage que je veux évoquer cette année est un film d'animation. Avec L'île de Black Mor, j'en ai terminé avec les œuvres du Français Jean-François Laguionie. Ce dessin animé 2D, de facture assez classique, m'a bien plu. Kid, son héros, n'a ni père ni mère et (sur)vit avec d'autres enfants sous le joug tyrannique du directeur de son orphelinat. Un courrier mystérieux demande à ce qu'il soit rendu à la liberté, mais son bourreau refuse. Le jeune homme se voit donc contraint de fuir et, après avoir rencontré deux forbans, il choisit de s'embarquer avec eux sur un bateau, en route vers l'inconnu. Navire volé, espoir de trésor, récit de pirates… une bonne recette classique.

Bien que je l'imagine plutôt tourné vers les enfants, L'île de Black Mor peut séduire les adultes. Le dessin est joli et l'intrigue connaît assez de rebondissements pour écarter l'ennui. Le film repose également sur une quête identitaire, le gamin du début laissant peu à peu la place à un adolescent mieux conscient des réalités du monde – entre la relative vénalité des uns et les sentiments contrastés des autres. La légère misanthropie que j'avais parfois ressentie devant les créations de Jean-François Laguionie s'adoucit et laisse la place à une certaine tendresse. Le héros garde un cœur pur et, avec ou sans ses compagnons d'infortune, rêve avant tout de grande aventure.

Gentiment naïf, le scénario tient donc parfaitement la route. Satisfaits, les critiques professionnels ont réservé un bon accueil au film, lui prêtant même une parenté avec les romans de Stevenson ou les tableaux d'Henri Rivière. J'ai beaucoup apprécié les personnages secondaires, P'tit moine, étonnante fille dans une histoire de garçons, La Ficelle, Taka, McGregor… des caractères variés pour un récit d'une vraie richesse. La production du long-métrage a pris trois ans, dont deux consacrés à l'animation, avec le renfort d’un studio asiatique. L'île de Black Mor est un travail artisanal de grande qualité. Américains et Japonais ne sont pas les seuls maîtres de l'animation.

L'île de Black Mor
Film français de Jean-François Laguionie (2004)
Il est difficile de ne pas admirer l'ardeur à la tâche et la progression régulière du créateur français. Wikipedia mentionne qu'à l’époque de la sortie de ce long-métrage, il travaillait déjà pour le suivant: le somptueux Le tableau, que j'ai vu et présenté ici même au début de l'année dernière. Si vous êtes convaincus, mes pages "Réalisateurs" et "Courts-métrages" vous permettront d'en découvrir davantage.

Avec mes voeux cinéphiles

Allez, je commence l'année par un aveu sous forme d'avertissement officiel: le retour de mes mises à jour régulières n'est pas encore pour aujourd'hui. Comme j'ai manqué le premier mercredi de l'année, jour traditionnel des sorties au cinéma, je me suis dit que j'attendrai encore jusqu'à... lundi prochain. J'adopterai alors très probablement un rythme accéléré, au moins le temps de combler mon retard. Il faut admettre que le dernier film évoqué ici, je l'ai vu le 25 novembre...

Avant les "vraies" chroniques et avec Scarlett J., je vous souhaite donc une très belle année 2013. En me foulant un peu, j'aurais pu pondre quelques lignes sur mes attentes cinéma, mais j'ai préféré laisser la porte grand ouverte à l'imprévu. Je n'ai pas voulu non plus faire un retour statistique sur l'année écoulée. J'espère simplement continuer à vous intéresser au 7ème art. Si j'ai un simple voeu cinéphile à formuler, ce serait qu'il continue à me surprendre régulièrement et à m'émouvoir souvent. J'en doute peu, à vrai dire, et je vous retrouve donc rapidement pour le vérifier avec vous. Silence... moteur... action: c'est reparti pour un nouveau millésime !