L'étrangère

Comme un écho à l'actualité, la fiction de cinéma que j'ai découverte il y a quinze jours a pour tout premier cadre un camp de réfugiés. Nous sommes après 1945. Une Lituanienne attend une autorisation administrative pour s'expatrier en Argentine. Déboutée, elle épouse alors avec un soldat italien. Stromboli la voit donc suivre son mari vers l'ile-volcan du nord de la Sicile. 12 km² des plus inhospitaliers...

Dès les premières minutes, le scénario montre le désenchantement ressenti par cette femme, à peine descendue de bateau et débarquée dans sa nouvelle vie. Quand le film est sorti, beaucoup l'ont analysée comme un personnage antipathique. Moi ? Je suis presque d'accord ! Objectivement confrontée à une situation difficile, la jeune épouse décrète presque aussitôt qu'elle ne s'adaptera jamais à cette île "maudite". Elle proclame qu'elle mérite mieux et, plutôt mal accueillie par les locaux, espère imiter au plus vite ceux d'entre eux qui ont mis les voiles. Stromboli est paraît-il l'un des longs-métrages précurseurs du néoréalisme italien, ce courant majeur du grand cinéma transalpin d'après-guerre, qui consistait à filmer la vie telle qu'elle est vraiment. Plusieurs très belles scènes en découlent, lors de la pêche aux thons ou des éruptions de la montagne, notamment. Jusque dans l'accueil réservé à l'étrangère, tout ici paraît crédible. Avec une emphase quasi-lyrique, portée par la bande originale signée Renzo Rossellini, frère cadet du réalisateur, c'est un opéra à ciel ouvert qui se joue ici.

Roberto Rossellini, lui, filme Ingrid Bergman... et ça n'a rien d'anodin. Ce faisant, en effet, il donne également à voir la femme qu'il aime. Les historiens du cinéma n'ont pas oublié la rencontre de ces deux-là. En 1948, alors qu'elle ne le connait pas encore, la belle Scandinave adresse un courrier au cinéaste romain. "J'ai vu vos films Rome, ville ouverte et Païsa. Je les ai beaucoup appréciés. Si vous avez besoin d'une actrice suédoise qui parle très bien anglais, qui n'a pas oublié son allemand, qu'on ne comprendra pas très bien en français et qui, en italien, ne sait dire que ti amo, je suis prête à venir faire un film avec vous". Bientôt réunis, les deux artistes ont un coup de foudre réciproque et une liaison adultère sur le tournage de Stromboli. Aujourd'hui presque légendaire, cette histoire d'amour fit scandale. D'aucuns estiment que ce climat a "alimenté" le jeu d'Ingrid Bergman dans ce premier film commun. Quatre autres s'enchaîneront, de 1952 à 1954. Unis jusqu'en 1957, les amants se donneront trois enfants. J'ai encore bien des choses à découvrir sur leurs incroyables destins...

Stromboli
Film italien de Roberto Rossellini (1950)
Mes connaissances sur le néoréalisme italien sont bien trop faibles pour que je puisse et ose vous suggérer d'autres films comparables. J'évoquais Michelangelo Antonioni il y  a trois jours: son cinéma elliptique s'inscrit quelque peu dans cette lignée. Avec une nature ultra-dominante, l'opus d'aujourd'hui ramène l'homme à sa petitesse. Tout ça me donne envie de voir d'autres films de Roberto Rossellini !

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Quant à vous, si vous ne voulez pas attendre...
Je vous renvoie à une lecture instructive: celle de "L'oeil sur l'écran".

La délurée

Je vous laisserai découvrir seuls ce qui sort des entrailles de Google quand on recherche Une blonde émoustillante. Également distribué sous d'autres titres, comme Retailles, Recoupes ou La chevelure sacrifiée, cette gentille petite comédie aurait dû être le second film diffusé par mon association cinéma en ce début de saison 2015-2016. Un malentendu a fait que je ne l'ai finalement vu que le lendemain...

Bon... je suppose que vous vous fichez un peu de mes péripéties associatives, à juste titre, d'ailleurs. Le film, lui, est un vaudeville autour du personnage de Maryska, la jeune, blonde et jolie épouse d'un gérant de brasserie, dans ce qui est redevenu la Tchécoslovaquie des années de l'entre-deux-guerres. Mutine sans conscience véritable des regards qu'elle attire chez ces messieurs, la tendre ingénue s'affiche en femme moderne avant l'heure, boit de la bière et mange des côtelettes au petit-déjeuner, flirte avec une innocence de gamine avec son insupportable beau-frère et finit inévitablement par susciter la jalousie de Francin, son pauvre mari, submergé par le travail. Bref... Une blonde émoustillante porte plutôt bien son nom. J'ai lu quelques critiques qui en faisaient même un film érotique. Mouais... 

La première qualité de ce drôle de long-métrage, c'est d'après moi qu'il joue très habilement sur une gamme humoristique étendue. Tantôt coquin, tantôt franchement burlesque, le scénario s'amuse visiblement à dresser toute une galerie de personnages attachants. Qu'ils soient sur le devant de la scène ou à l'arrière plan, ces derniers vivent mille et une péripéties: un vrai air de fantaisie souffle constamment sur ces images d'une autre époque. Adapté du roman éponyme de Bohumil Hrabal sorti sept ans plus tôt, Une blonde émoustillante s'illustre également par la reconstitution d'une période un peu oubliée. Pour se situer dans le temps, l'apparition progressive d'objets nouveaux comme la radio donne quelques indices, suffisants d'ailleurs pour renforcer le côté sympa de l'entreprise, sans passéisme aucun, mais avec une dose de poésie. C'est avec un sourire constant que j'ai pensé à ce qui a pu changer depuis. Une chouette trouvaille !

Une blonde émoustillante
Film tchécoslovaque de Jiri Menzel (1981)
Quinze ans plus tôt, le réalisateur se faisait remarquer favorablement avec Trains étroitement surveillés, Oscar du meilleur film étranger. Je n'ai encore rien vu d'autre de sa création: partie remise, j'espère. La découverte du jour m'a fait penser à Kusturica et Kaurismäki. Curieusement, j'ai aussi songé à la folie de certains longs-métrages tournés à la Audiard (Michel), du style Elle cause plus... elle flingue.

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Une petite anecdote pour finir...
Magda Vasaryova, l'actrice principale du film, a 67 ans aujourd'hui. Elle a fait carrière au cinéma jusqu'en 1991. Elle est aussi connue pour avoir été ambassadrice de Tchécoslovaquie en Autriche de 1990 à 1993, puis de Slovaquie en Pologne de 2000 à 2005. Candidate malheureuse à la présidentielle slovaque en 1999, elle a été secrétaire d'Etat aux Affaires étrangères du pays de février 2005 à juillet 2006.

J'aurais aimé vous en dire plus...
Seulement voilà: ce qui devait être une soirée de mon association s'est transformée en projection privée pour quelques happy few invités par une autre. Et, non sans dépit, j'ai donc raté Jiri Menzel...

Vaines paroles

Les cinéphiles présentent souvent Michael Antonioni comme le maître de l'incommunicabilité. Mes connaissances sur l'oeuvre du cinéaste italien sont encore trop faibles pour que j'ose livrer un point de vue définitif sur ce sujet. Toujours est-il que, dans L'éclipse, la difficulté des personnages à se parler est patente. Et c'est plutôt intéressant...

Vittoria et Riccardo ne s'entendent plus et se murent dans le silence. Saisissante, la première scène du film oppose un couple d'Italiens rongé par le désamour. Il faut attendre plusieurs (longues) minutes avant que la femme manifeste son envie de quitter son mari. Explications laconiques, incompréhension, porte qui se ferme. Conçu comme le dernier opus d'une trilogie, L'éclipse se montre d'emblée comme ce qu'il est aussi: une histoire simple et un spectacle exigeant sur le plan formel - l'impression perdure tout au long du métrage. J'aime autant ne pas trop détailler les diverses trouvailles graphiques d'Antonioni, qui était également peintre à ses heures perdues. Photographe habile derrière sa caméra, Michelangelo le bien nommé compose des plans saisissants, dans un cadre émotionnel assez froid.

Cela reste tiède quand Vittoria rencontre un autre homme: Piero. L'une des très belles idées symboliques du film est d'avoir fait repartir son intrigue par l'entremise d'un courtier en bourse et de montrer explicitement à quel point ce métier oblige à crier en permanence sans jamais avoir le temps de réfléchir ou juste d'écouter les autres. Incommunicabilité, encore et toujours. De par ce constat, L'éclipse demeure, je crois, un film d'une très grande modernité. Il m'a permis également de découvrir enfin Monica Vitta, égérie du réalisateur, ainsi que de revoir Alain Delon dans l'un de ses (bons) rôles italiens. L'essentiel du métrage tourne autour du duo, avec quelques ellipses déroutantes, mais qui apportent un je-ne-sais-quoi de fantastique. Quasi-muette elle aussi, la fin est presque une oeuvre en elle-même !

L'éclipse
Film italien de Michelangelo Antonioni (1962)
Pour info, les deux autres morceaux de la trilogie L'avventura, Prix du jury (fort controversé) à Cannes en 1960, et La nuit, qui obtint notamment l'Ours d'or du meilleur film au Festival de Berlin 1961. J'espère pouvoir voir les deux - le premier est dans ma collection DVD. Maintenant, en termes de comparaison, j'ai trop peu d'éléments fiables pour m'y risquer. Jetez donc un oeil sur Femmes entre elles !

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Un autre regard sur la filmo du maestro et ce film...
Vous pouvez aussi aller voir du côté de "L'oeil sur l'écran".

Divine humanité

Certains films, rares, sont unanimement appréciés ou détestés. Beaucoup d'autres divisent le public en trois familles d'importance variable: les pour, les contre, les indécis. Le tout nouveau testament pointe dans la seconde catégorie. J'ai lu une critique qui le jugeait "poétique, inventif, avec de très belles interprétations de l'ensemble des acteurs" et une autre qui citait... un "film complétement débile".

Mon avis ne rejoindra pas celui de ce courageux internaute anonyme qui, entre autres amabilités, certifiait que (je cite) "le réalisateur devrait consulter". Bien au contraire: ma toute première rencontre avec le cinéma de Jaco van Dormael m'a été très agréable. Ce film étonnant, j'ai d'abord voulu le voir pour Benoît Poelvoorde, ce clown triste dont je ne me lasse pas. Cette fois, c'est à un rôle incroyable que s'attaque le natif de Namur: celui de Dieu, ni plus ni moins, Dieu qui habite Bruxelles pour l'occasion et qui passe d'éternelles journées à boire de la bière en inventant les lois de l'emmerdement universel. Conséquence: Le tout nouveau testament, c'est sa fille Ea qui décide de l'écrire, en descendant sur Terre à la rencontre de six apôtres nouveaux, préalablement renseignés sur la date exacte de leur mort. C'est farfelu ? Oui, mais pas que. Le long-métrage nous parle aussi d'une gamine partie construire son bonheur, loin d'un père tyrannique.

En réalité, autour de cette quête spirituelle, au moins six façons d'être heureux seront passées en revue, selon la personnalité propre de chaque protagoniste. Le message: notre plaisir d'être vivant dépend de nos actes et pas du bon vouloir d'une quelconque entité supérieure. Le scénario a le bon goût d'éviter la dénonciation simpliste de l'espérance religieuse: il s'avère en fait plutôt moqueur que véritablement iconoclaste. Malgré quelques petites longueurs narratives, le film avance sans se retourner, alors que le personnage de Benoît "Dieu" Poelvoorde s'efface devant celui de Pili "Ea" Groyne. Un mot sur cette gamine d'une dizaine d'années: elle est épatante. Derrière elle, tout la distribution est au diapason, de Yolande Moreau à Catherine Deneuve, via François Damiens et d'autres acteurs belges moins connus. Intéressant sur le fond, Le tout nouveau testament m'a aussi plu pour sa poésie diffuse et sa bande-son rock + classique. Dès les toutes premières séquences, autruches et girafes déambulent dans la ville déserte: j'ai été séduit en deux plans, trois mouvements.

Le tout nouveau testament
Film belge de Jaco van Dormael (2015)
Il s'agit en fait d'une coproduction belgo-franco-luxembourgeoise ! Qu'importe le flacon, j'ai aimé l'ivresse vitale de ce drôle de film. Attachants... en diable, les personnages m'ont facilement embarqué dans cette aventure à la Amélie Poulain. D'autres références et clins d'oeil me sont apparus pendant la projection, mais j'ai oublié depuis. Ma certitude: j'aime de plus en plus ce cinéma belge et sa douce folie.

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Et je ne suis pas le seul à y être sensible...
Sans en faire un vrai incontournable, Pascale a plutôt apprécié le film. C'est également le cas de mon amie - et lectrice - belge: Sentinelle. Dasola, quant à elle, rappelle qu'il est aussi question de mélancolie. Reste l'ami 2flics, dont le blog cinéma a changé de nom et d'adresse.

Chasse à l'homme

Mon chef était plutôt étonné quand je lui ai fait part de mon intention d'aller voir un western roumain. C'était pourtant bien le programme annoncé de mon association cinéma pour ouvrir sa saison 2015-2016. Aferim ! ne provient pas des archives d'une cinémathèque: il est sorti dans son pays d'origine en mars et chez nous en août. L'Ours d'argent de la Berlinale avait récompensé le réalisateur, Radu Jude, en février.

Cette escapade en Valachie me laisse sur des sentiments mitigés. L'histoire qu'elle raconte nous ramène en 1835: la Roumanie actuelle n'existe pas encore et, bien qu'officiellement autonome, le territoire dont il est question dans le film est toujours sous influence ottomane. Puisqu'il abrite en réalité un important maelström de populations diverses et variées, il est aussi un creuset d'inimitiés ethniques. L'esclavage y a cours, au bénéfice des boyards et autres élites locales, figés dans un modèle social proche de la féodalité du moyen-âge français. Dans ce contexte historique, Aferim ! a pour simili-héros deux hommes, un père et son fils, à la poursuite d'un troisième, soupçonné d'avoir volé son seigneur, tout en profitant des charmes naturels de son épouse. Le type même du comportement déviant ! Parce qu'en plus de tout, le contrevenant est gitan, il est bien illusoire qu'il attire la mansuétude de qui que ce soit. La suite vous le dira...

Revenons donc à mes sentiments mitigés. Je n'ai pas vu un film aimable au premier sens du terme: le scénario laisse peu d'espoirs véritables aux personnages, contraints de vivoter dans un système replié sur lui-même, sans la plus petite perspective d'évolution. Honnêtement, pour ce qui est d'un divertissement du vendredi soir après une grosse semaine de boulot, on a fait mieux ! La manière dont le film aborde son sujet, quasi-ethnologique, mérite toutefois quelques éloges sincères: ce n'est pas tous les jours que le cinéma permet de découvrir cette époque sous de tels horizons. Si austère soit-il, Aferim ! dispose d'un atout majeur: sa très belle photo. Outil de réalisme autant que de distanciation, le noir et blanc sublime encore ces remarquables images. Bien des choses ont lieu à l'intérieur du cadre, mais l'essentiel reste toujours très lisible. Il m'aura manqué un soupçon de souffle picaresque pour m'enthousiasmer franchement.

Aferim !
Film roumain de Radu Jude (2015)
Devant pareil spectacle, il n'est pas interdit et même plutôt conseillé de faire quelques comparaisons avec la situation actuelle de l'Europe. Moins violentes, nos sociétés ne sont pas forcément plus égalitaires. Deux - petits - siècles ont passé: qu'on les appelle réfugiés, migrants ou nomades, les gens qui voyagent ont toujours un côté suspect. D'autres Roms, à une autre époque ? Vous en verrez dans... Liberté.

Une odyssée intime

Il paraît que rien n'est plus cher au cinéma que de tourner sur l'eau. D'après Wikipédia, La vie aquatique reste le film le plus coûteux parmi les huit qu'a réalisés Wes Anderson. Il a aussi la fantaisie habituelle des oeuvres du cinéaste et nous entraîne dans le sillage d'un pseudo-commandant Cousteau - un hommage est d'ailleurs rendu au vrai. Nous voilà partis à la chasse au requin-jaguar, moussaillons !

Inutile de chercher dans votre dictionnaire des espèces: ce poisson des grands fonds... n'existe pas ! Mais puisque tout demeure possible au cinéma, c'est bien avec le fol espoir de le rencontrer quand même que j'ai embarqué en compagnie de Steve Zissou et de son équipage. Premier constat: certains des membres les plus éminents de la famille artistique de Wes Anderson étaient fidèles au poste, à l'image évidemment du quasi-incontournable Bill Murray dans la rôle principal. C'est avec un plaisir non dissimulé que j'ai retrouvé d'autres visages connus et bien aimés: Anjelica Huston, Owen Wilson, Jeff Goldblum ou Willem Dafoe. Ajoutez-y Cate Blanchett: un casting très classieux ! Sur la forme, La vie aquatique ne ressemble à rien d'autre. Le soin porté à la représentation de cet imaginaire est un régal pour les yeux.

Pour être honnête, je dirais que Wes Anderson peut mieux faire ! Visuellement irréprochable, le film manque peut-être d'un soupçon d'éclat pour être une véritable merveille visuelle. Sur le plan scénaristique, maintenant, j'aime autant dire que La vie aquatique peut dérouter. Coécrite avec Noah Baumbach, l'histoire dépasse largement la longue litanie des péripéties - pourtant nombreuses - survenues à bord du Belafonte. Il est aussi question d'une relation père-fils compliqué et du deuil d'un vieil ami disparu. Le côté absurde de certaines situations prête plus à sourire qu'à pleurer, cela dit. Ainsi que je l'ai lu, le long-métrage échappe à toute standardisation hollywoodienne et c'est finalement ce qui le rend sympathique. Quelque part en haute mer, on gardera aussi une oreille attentive pour le chanteur brésilien Seu Jorge et plusieurs tubes de David Bowie repris en portugais. Le fil rouge d'un objet de cinéma plutôt décalé...

La vie aquatique
Film américain de Wes Anderson (2004)
Les trois derniers films du cinéaste sont chroniqués sur le blog ! J'insiste une seconde pour dire que je les ai préférés, en soulignant toutefois que je n'ai rien vu d'infamant dans cet opus d'aujourd'hui. L'étrange mélancolie qui y cohabite avec l'humour le plus absurde signe une marque de fabrique: j'apprécie et lui vois peu d'équivalent. Pour Bill Murray, je conseille Un jour sans fin ou Broken flowers...

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Sans surprise, d'autres que moi ont pris la mer...
C'est notamment le cas de Pascale, qui parle du film, elle aussi.

L'ultime soirée

Personne ne bouge, la remarquable émission d'Arte sur la culture pop audiovisuelle au sens large, rappelait récemment que le film de lycée est l'un des grands archétypes du cinéma américain. Marqués jadis par la rencontre entre bandes, ces longs-métrages ont aussi abordé l'intéressante question de la popularité chez les ados. J'y ai re-réfléchi et me suis dit que Carrie au bal du diable l'évoquait à sa manière...

Considéré (abusivement ?) comme un classique de l'horreur, Carrie... adapte un roman de Stephen King, lui-même fréquemment présenté comme l'un des maîtres de l'angoisse littéraire. Je vais vous dire franchement ce que j'en pense: quatre décennies après le bouquin originel et le film, tout ça ne m'a guère impressionné - le décorum restant objectivement très seventies. J'ai toutefois aimé faire enfin la connaissance de cette pauvre jeune fille tourmentée qu'est Carrie. Souffre-douleur de ses camarades de classe, la pauvrette en bave également à la maison, sous le joug d'une mère tyrannique persuadée que son enfant n'est autre que le fruit d'un impardonnable péché. Isolée, la gamine n'a vraiment aucune chance de trouver un cavalier pour la fête de fin d'année scolaire. Et pourtant, il lui suffirait de...

Il se murmure qu'un journaliste qui demandait à Brian De Palma comment lui était venu l'idée d'adapter le livre se serait vu répondre aussitôt: "En prenant mon bain". De fait, le film ouvre sur une scène de douche vaporeuse et s'achève presque dans une baignoire. J'aimerais mieux revoir le film à l'envers que d'en dire davantage ! Pour être tout à fait objectif, Carrie... a donc pris un coup de vieux. Qu'importe: dans son genre, c'est bien un standard que je voulais découvrir et que je suis très content d'avoir vu. Il me faut saluer d'ailleurs la prestation hallucinée de Sissy Spacek dans le rôle-titre. Plus vieille que son personnage (elle avait 26-27 ans), la comédienne américaine suscite nombre d'émotions contradictoires: je dis bravo ! Autour d'elle, une troupe d'actrices et acteurs oubliés, qui demeurent très convaincants, dont Piper Laurie en abominable maman-sorcière. On notera aussi un rôle de gros naze pour John Travolta, avant que...

Carrie au bal du diable
Film américain de Brian De Palma (1976)
Avec tout ça, je me dis qu'il faudrait que je trouve aussi la possibilité de voir quelques vieux Wes Craven de derrière les fagots. Maintenant, j'insiste: je n'ai pas eu peur - c'est vrai que j'étais assis dans mon canapé, avec la lumière allumée. Quand ai-je frissonné pour la dernière fois grâce à un film ? Je ne m'en souviens plus. Probablement devant Shining - une autre adaptation de Stephen King.

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Y a-t-il d'autres amateurs, dans la salle ?
Oui: au moins Chonchon, qui attribue au film un bon gros 8 sur 10 !

Mauvaise route ?

Un titre à rallonge, une bande-annonce très réussie et... une fille sexy aux jambes XXL: La dame dans l'auto avec des lunettes et un fusil m'a rapidement tapé dans l'oeil. Quand j'ai appris que le film adaptait un polar de Sébastien Japrisot, mon envie d'aller le voir est montée d'un cran. Un mois (et un jour) après sa sortie, j'ai fini par y céder...

Vous voulez vous mettre dans les mêmes conditions que moi ? Bien ! Je dois donc vous demander d'arrêter de lire cette chronique. Maintenant que seuls les petits curieux sont restés, je vais dévoiler une partie de ce que j'ignorais encore en entrant dans la salle: le pitch de ce long-métrage. La dame dans l'auto... s'appelle Dany Doremus. Elle travaille comme secrétaire-dactylo dans une grande entreprise. Un jour, son patron lui demande de retaper à la machine un nombre important de feuillets, de toute urgence. Pour compenser les heures supplémentaires imprévues, il accueille Dany chez lui, juste le temps d'une nuit de travail intensif. Au petit matin, il a un autre service pressant à lui demander: le conduire à l'aéroport et, ensuite, ramener la voiture chez lui. C'est là que ça déraille: une fois qu'elle se retrouve avec un cabriolet entre les mains, la jolie et très dévouée secrétaire se dit que c'est l'occasion rêvée de passer un week-end à la mer. "Personne n'en saura jamais rien", s'imagine-t-elle. Oui, mais voilà...

La suite, c'est le film - ou le roman - qui vous la racontera. J'ai noté que cette histoire n'avait pas fait l'unanimité, mais, en la découvrant à l'aveuglette, j'ai pris beaucoup de plaisir sur le siège passager. Embarqué volontaire, j'ai suivi Dany là où elle voulait aller, sans carte routière ni GPS. J'ai fait le plein d'émotions quand elle s'est arrêtée sur le trajet, dans une station-service d'abord, dans un hôtel isolé ensuite. J'étais curieux de savoir ce qui l'attendait au bout du chemin. J'en ai pris plein la vue et plein les oreilles, grâce à une reconstitution soignée de la France des années 70, un montage que j'ai trouvé séduisant et une BO aux petits oignons. La dame dans l'auto... soignerait-elle la forme au détriment du fond ? Ce n'est pas à exclure. Cela dit, sincèrement, ça ne m'a pas dérangé. J'ai aimé me perdre dans ce labyrinthe de faux semblants et tirer seul mes conclusions. Quand le film m'a livré le sens de ce que j'avais vu, je n'ai plus écouté que d'une oreille distraite. Dany m'attendait toujours dans la voiture. Elle a souri quand j'ai ouvert la portière. Nous avons repris la route...

La dame dans l'auto avec des lunettes et un fusil
Film français de Joann Sfar (2015)
Vous connaissez le réalisateur ? La BD Le chat du rabbin, c'est lui. L'adaptation au cinéma ? Aussi. Gainsbourg (vie héroïque) ? Encore. Des albums vendus par milliers et deux Oscars: belle(s) réussite(s) ! Ce qui change, c'est mon niveau d'adhésion, au plus haut aujourd'hui. Après ce nouvel opus, ce serait bien de retrouver Sébastien Japrisot. Vous pourrez choisir: Le passager de la pluie et/ou L'été meurtrier.

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Pour être tout à fait rigoureux...
Une précision: ce long-métrage est la seconde adaptation au cinéma du roman éponyme de Sébastien Japrisot. La toute première version était sortie en salles à l'automne 1970, réalisée par Anatole Litvak. L'écrivain était cité au générique comme co-scénariste et dialoguiste.

Et pour ceux qui s'intéressent au remake...
Je signale que l'actrice principale du cru 2015 s'appelle Freya Mavor. Aux côtés de cette bombe écossaise de 22 ans, on retrouve un casting international, avec Stacy Martin, Benjamin Biolay et Elio Germano. D'autres avis sur le film sont publiés chez Pascale et Princécranoir.

Un autre regard

Tiens ! Après le film de samedi, j'ai soudain eu envie de prendre quelques nouvelles des vieux maîtres de l'animation japonaise. Souvenez-vous: l'an passé, en prenant leur retraite, Hayao Miyazaki et Isao Takahata laissaient beaucoup de cinéphiles avec le sentiment d'être abandonnés. Que sont-ils devenus ? J'ai pu trouver des infos...

Miyazaki, qui devrait fêter ses 75 ans en janvier, souhaite investir dans la construction d'un établissement pour enfants sur une petite île de l'archipel nippon. L'idée ? Les encourager à observer la nature. L'intention serait aussi, si j'ai bien compris, d'accueillir des familles victimes de la catastrophe nucléaire de Fukushima. Le projet devrait démarrer en avril prochain pour une inauguration prévue en 2018. Coût estimé: 300 millions de yens (soit environ 2,2 millions d'euros). J'essayerai de penser à me renseigner sur l'avancée de ces travaux...

En attendant, c'est une évidence: j'ai des Miyazaki à rattraper ! J'ignore encore quand je pourrai voir le dernier - Le vent se lève. Peut-être que ce sera mon prochain, mais j'en ai quelques autres également dans ma collection personnelle, qui pourraient lui passer devant. Wait and see, comme disent les Japonais anglophones. J'imagine que ses compatriotes artistes du cinéma d'animation doivent beaucoup au vieil homme: il demeure, sauf erreur, le premier à avoir conquis le coeur du public en Europe. D'où mon grand respect.

Face à un tel monstre sacré, Takahata, lui, me paraît plus discret. Les petites recherches que j'ai effectuées dans l'idée de préparer cette chronique m'ont appris qu'il était plus vieux, aussi: il célébrera son 80ème anniversaire le 29 octobre. J'ai su également qu'il devait recevoir une nouvelle médaille au Japon, bien méritée assurément. Désolé de ne pas en dire davantage: j'ai juste noté qu'il était honoré pour avoir incarné l'esprit du poète japonais Kenji Miyazawa. Difficile d'être plus disert quand, comme moi, on ignore tout de cet auteur...

D'autres récompenses remises à Takahata me sont plus familières. J'en citerai deux: cette année, en France, l'artiste a été fait officier de l'Ordre des Arts et des Lettres et, aux États-Unis, il est devenu membre de l'Académie des Oscars. Sur l'autre rive de l'Atlantique toujours, l'un de ses films, Omoide poro poro, va enfin bénéficier d'une sortie en salles pour marquer... son 25ème anniversaire. L'histoire ne dit pas s'il pourra ensuite être vu dans les cinémas français, dix-huit ans après sa diffusion DVD. Il est permis d'espérer.

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Bon, une dernière petite chose...
Cette chronique est bien sûr ouverte au débat. J'aimerais approfondir ma connaissance de l'animation japonaise et compte aussi sur vous pour me faire des suggestions, autour de films d'hier et d'aujourd'hui.

L'ombre du maître

Si je parle ici de la salle 3 des Variétés, je suis sûr qu'au moins 99,9% d'entre vous n'en auront pas d'image particulière. J'ai eu l'impression étrange de la découvrir moi-même l'autre samedi, au moment choisi pour aller voir Miss Hokusai. Avant d'écrire une chronique consacrée aux cinémas que je fréquente, je dois parler de ce film d'animation japonais, sorti il y a deux grosses semaines. Une véritable surprise...

Je vais indiquer tout de suite ce que j'ignorais il y a un mois: Hokusai était un peintre japonais, né en 1760 et décédé en 1849. Il est l'auteur d'innombrables dessins et estampes, parmi les plus fameux. Comme son titre (en anglais...) l'indique, Miss Hokusai s'intéresse plutôt à une jeune femme, qui se trouve être la fille du maître dessinateur. Dans un très spartiate atelier, elle l'assiste et lui permet d'honorer ses commandes, petite main anonyme, dotée d'un bon coup de pinceau. De temps à autre, elle délaisse la demeure paternelle pour rendre visite à sa mère chez elle ou rejoindre sa jeune soeur aveugle, confiée aux bons soins d'un temple voisin. La surprise évoquée plus haut, c'est que, sous ses airs assez familiers, ce dessin animé s'est avéré bien différent de ce à quoi je m'attendais. J'imaginais quelque chose d'assez enfantin, à vrai dire, et j'ai trouvé finalement la tonalité plutôt adulte, voire assez sombre par moments.

De manière plutôt déroutante, le film enchaîne en fait les séquences comme autant de petites scènes de vie, propose des personnages multiples même si pas toujours aboutis, et ouvre quelques portes vers une lecture fantastique de cette simili-biographie. Mes lectures d'après-projection m'ont laissé comprendre que le déroulé du scénario n'était pas toujours absolument fidèle à la réalité des protagonistes mis en scène. Qu'importe: la fiction autorise ce genre de choses. Précision importante: je mets toutefois un bémol à l'enthousiasme que j'avais imaginé ressentir devant Miss Hokusai. L'enchaînement des scènes manque parfois de souplesse: quelques fondus au noir entrecoupent le métrage et il arrive que ces ellipses narratives manquent d'adresse. Autre (petit) point faible: une musique rock exagérément décalée par rapport aux images. Tout ça manque d'unité et c'est dommage, parce qu'il y a aussi de belles choses à découvrir...

Miss Hokusai
Film japonais de Keiichi Hara (2015)
Le bilan reste positif, les ami(e)s, et aussi parce que je peux ajouter un nom à la liste des cinéastes d'animation japonais que je connais. La révélation est certes moins forte que pour Isao Takahata l'année dernière, mais c'est difficile de surpasser Le conte de la princesse Kaguya. Il faut s'estimer heureux que ces oeuvres asiatiques arrivent désormais assez vite dans nos salles. Bref... vivement la prochaine !